Dans Mon Mange Disque

[Le Billboard du Mange Disque] Les meilleurs albums des 2000's

2009-12-30T22:36:00.044+01:00

S’il est évident que le rock à guitares a incarné ce début de décennie de manière fédératrice (The Strokes, The Libertines, The White Stripes), je constate qu’il s’est surtout vite essoufflé pour laisser la place aux groupes les plus aventureux et surtout suffisamment populaires pour rester en dehors de la catégorie « underground et/ou élitiste ».

Dans cette tendance, Radiohead a incontestablement été à l’avant-garde. Avec la sortie de Kid A en 2000, le groupe anglais pose les bases d’une nouvelle esthétique moderne, celle d’un rock cérébral ouvert vers l’électronique et le melting-pot musical (les limites imposées par les genres étants alors sans cesse repoussées), puisant alors aussi bien dans le Krautrock que dans le Free Jazz. Cette démarche fondamentale influencera, de près ou de loin, quelques uns des groupes majeurs de cette décennie (de Liars à TV On The Radio).

Je retiendrais aussi la forte présence du label canadien Constellation Records, qui, en plus d’avoir assis la réputation de groupes cultes comme Godspeed, A Silver Mt Zion ou Evangelista (les chefs de file du psychédélisme et de l'expérimentale dotée d'une âme) s’est aussi ouvert brillamment vers des sphères plus accessibles et directes (Clues, The Dead Science, Tindersticks).

La décennie a aussi été marquée par toute une série d’albums folk, pop ou rock délicatement habillés d’arrangements orchestraux grandioses et ambitieux (Sufjan Stevens, Joanna Newsom, Parentethical Girls, Pattern Is Movement, The Last Shadow Puppets, Tyondai Braxton ou même Arcade Fire dans une moindre mesure). Tous ces albums à dimension cinématographique ont la faculté de provoquer un émerveillement total.

Les années 2000 ont enfin été closes en beauté par le trio Animal Collective/Battles/Grizzly Bear, soit le néo-psychédélisme emphatique, le math rock dansant et l’art-folk minutieuse. Leurs derniers albums respectifs portent la marque d’une certaine idée de la musique pop du futur : intelligente et dansante, expérimentale et accessible, synthétique et novatrice. Je compte évidemment sur eux pour inaugurer cette prochaine décennie en dessinant de nouvelles lignes musicales.

1 Radiohead – Kid A (2000)

Nourri de Krautrock, de Free Jazz et d’electronica, le groupe Radiohead parmi les plus populaires des années 90 revient surprendre tout le monde avec un disque expérimental d’une beautée tétanisante.

2 Battles – Mirrored (2007)

Je n’avais jusque là jamais imaginé qu’une musique aussi technique et complexe puisse être aussi fun et dansante. En y prolongeant les recherches sur les boucles des minimalistes Steve Reich et Terry Riley, tout en y mettant une touche volontairement cartoon, le rock de Battles invente le concept de transe colorée.

3 Animal Collective – Merriweather Post Pavillion (2009)

On en a beaucoup parlé en 2009, et on en reparlera forcément encore pendant longtemps. Animal Collective a exploré dans sa période la plus underground de 2000 à 2004 la pop sauvage, l’électronique abstraite et le folk improvisé, et s’est depuis bâti une réputation de groupe culte en donnant à leur pop psychédélique un espace sonore gigantesque et minutieux.

4 Godspeed You! Black Emperor – Lift Your Skinny Fists Like Antennas To Heaven (2000)

S’il ne fallait retenir qu’un seul disque de Post Rock (de longs crescendos menaçants suivis par de grandes envolées soniques, à base d’une instrumentation essentiellement rock accompagnée de cordes), ce serait celui-ci. La musique épique de Godspeed va évidemment bien au-delà de cette définition, et part dans un nombre inimaginables de directions sur 1h30 (musique concrète, symphonie rock, shoegaze, ambiant, drones, violence punk, noise).

5 Tyondai Braxton – Central Market (2009)

Le guitariste et chanteur de Battles a brillamment composé sur la première face de Central Market une symphonie cartoon délirante et audacieuse, et a façonné sur sa deuxième face la musique urbaine du futur. Tout simplement.

6 Portishead – Third (2008)

Sans prévenir, le groupe de Trip Hop Portishead fait revivre le Krautrock sensuel de Can et l’électronique tribale de Silver Apples dans des sphères mainstream (le disque s’est très bien vendu) avec un album noir rongé jusqu’à l’os.

7 Grizzly Bear – Veckatimest (2009)

Les merveilles tant vocales qu’instrumentales de Veckatimest ne peuvent se dévoiler que sur la durée, jusqu’à la sensation d’avoir affaire à un monolithe à l’architecture sidérante.

8 Joanna Newsom – YS (2006)

L’enchanteresse Joanna Newsom accompagne sa harpe et sa voix infantile bizarre d’arrangements orchestraux sur un album fleuve (5 morceaux d’une durée de 7 à 16 minutes) déjà mythique. Un chef d’œuvre intemporel.

9 Cornelius – Sensuous (2006)

Le magicien Keigo Oyamada continue de réaliser sur Sensuous un pur travail synthétique sur la musique populaire (les Beatles, les Beach Boys, My Bloody Valentine, Walt Disney) pour mieux la déformer, tout en atteignant un degré impressionnant de perfection en termes de production et de recherches sonores.

10 Panda Bear – Person Pitch (2007)

Le kaléidoscope électronique de Panda Bear hypnotise par ses chants répétitifs sous formes de rituels vaudous. Un album lumineux dont les détails microscopiques ne cessent de fasciner.

11 Radiohead – Hail To The Thief (2003)

Le deuxième meilleur album de Radiohead n’est pas Amnesiac, mais bien Hail To The Thief, brillant par ce retour à cette immédiateté rock (avec des chansons plus facilement analysables) doublé d’un arrière-plan expérimental discret.

12 Animal Collective – Feels (2005)

Sur Feels, la pop ensoleillée des Beach Boys se fait sauvage, hallucinée, et traversée de contemplations litaniques profondes.

13 Vladimir Martynov – Night In Galicia (2000)

Vladimir Martynov met en musique les poèmes d’un auteur russe de la fin du 19ème siècle, inspirés de chants slaves écrits dans une langue secrète. Sur un mode répétitif ultime, avec des mélodies incantatoires fluides et des phrasés de violons doublés en contretemps, la musique mystique de Night In Galicia nous fait découvrir des vibrations et des sonorités inconnues venant d’un autre monde.

14 Hella – Hold Your Horse Is (2002)

Les deux félés d’Hella (Spencer Seim pour les acrobaties guitaristiques et Zach Hill pour la batterie polyrythmique infernale) développent une musique noise avant-gardiste à l’énergie purement rock, aussi dansante que susceptible de provoquer des maux de têtes. Un disque forcément indispensable, donc.

15 Sufjan Stevens – Come On Feel The Illinoise (2005)

Avec ce disque de folk aventureux sur les mythes de l’Illinois (on peut y trouver des chansons très classiques et intimistes comme des explosions épiques aux riches orchestrations), Sufjan Stevens affirme son talent de grand songwriter gracieux.

16 Liars – Drum’s Not Dead (2006)

Ce troisième album des new-yorkais est un immense trip hypnotique centré sur l’intensité brutale de la batterie, sur lesquels drones inquiétants de guitares et falsettos fiévreux vont participer à magnifier cette grande célébration tribale.

17 The Snobs – Albatross (2009)

L’aventure maritime proposée par les Snobs revisite la pop sixties, le Krautrock et le post punk avec une écriture personnelle d’une inventivité bluffante. Passionnant de bout en bout.

18 The Fiery Furnaces – Widow City (2007)

Une musique labyrinthique par des déconstructeurs pop : on n’est pas loin des folies cérébrales du cinéma de David Lynch. L’album majeur des Fiery Furnaces.

19 Sonic Youth – NYC Ghosts & Flowers (2000)

Avant une longue série d’albums plus classiques (de Murray Street à The Eternal), Sonic Youth démarre sa troisième décennie avec un disque urbain et radical, à l’ambiance paranoïaque. Fondamental dans la discographie du groupe.

20 A Silver Mount Zion – This Is Our Punk Rock (2003)

This Is Our Punk Rock est bien un complément essentiel à Lift Your Skinny Fists de Godspeed, dont les chants d’une fragilité désarmante atteignent les cimes de la dissonance pour mieux émouvoir.

Et voici les 30 autres disques qui m’ont le plus marqué durant cette décennie, sans classement particulier:

Arcade Fire – Funeral
The White Stripes – Elephant
The Libertines – The Libertines
Grandaddy – The Sophtware Slump
Radiohead – Amnesiac
Gorillaz – Demon Days
The Last Shadow Puppets - The Age Of The Understatement
Blonde Redhead – Melody Of Certain Damaged Lemons
The Flaming Lips – Embryonic
Grizzly Bear – Yellow House
Stereolab – Sound Dust
Deerhoof – Milk Man
Electrelane – Axes
Department of Eagles – In Ear Park
Parenthetical Girls – Entanglements
Stephen Malkmus – Real Emotional Trash
Evangelista – Hello, Voyager
Don Caballero – American Don
Magma – Ementhet-Ré
Nisennenmondai – Destination Tokyo
Dominique Leone – Dominique Leone
Marnie Stern – In Advance of the Broken Arm
Sunn O))) – Monoliths & Dimensions
Fuck Buttons – Street Horrrsing
Man Man – Rabbit Habits
Pas Chic Chic – Au Contraire
Skeletons – Money
Snowman – The Horse, the Rat and the Swan
The Dead Science – Villainaire
The Mars Volta – The Bedlam In Goliath

François.

[Le Billboard du Mange Disque] Les 10 meilleurs albums de 2009

2009-12-19T16:05:00.058+01:00

1
Tyondai Braxton
Central Market

En unissant les musiques savantes avec des boucles électroniques, des guitares et des kazoos, le frontman du groupe Battles créé une symphonie épique délirante, aussi passionnante à décrypter pour les musicologues que fun à écouter pour les non initiés.

2
Animal Collective
Merriweather Post Pavillion

Animal Collective pose les bases d’une pop d’un nouveau genre (des mélodies en chœurs plongées dans un environnement organique immersif), avec un disque-monde profond. Le mini album Fall Be Kind, tiré des mêmes sessions studio et paru en décembre, est tout aussi indispensable.

3
Grizzly Bear
Veckatimest

Moins directement original que les deux premiers disques de ce top, l'album de Grizzly Bear brille par sa suprême délicatesse, dans un univers étrange hanté par des âmes en paix.

4
The Snobs
Albatross

Le septième et meilleur album du groupe français The Snobs fait voyager le krautrock, le post punk et la pop sixties vers un calypso muté. L'expérience Albatross est totale.

5
The Flaming Lips
Embryonic

Avec ce double album et à l'issu d'une longue discographie inégale, les Flaming Lips tiennent enfin là leur manifeste. Jams électriques groovy et contemplations étoilées : un immense trip psychédélique.

6
Magma
Emëhntëhtt-Rê

Le groupe français mythique Magma clôt la trilogie Kohntarkosz démarrée 30 ans plus tôt en s'affirmant une fois de plus comme une machine à transe intemporelle. Le récit initiatique d'Emëhntëhtt-Rê se déploie à travers un chant des anges, un passage aux enfers et des incantations obscures avec une fluidité sidérante.

7
The Fiery Furnaces
I’m Going Away

Les personnalités complexes et bizarres des Fiery Furnaces explorent la pop dans tout ce qu'elle a de plus classique et entêtante, pour la brusquer dans ses moindres détails.

8
Nisennenmondai
Destination Tokyo

Les trois japonaises de Nisennenmondai repoussent les limites de la répétition et de l'endurance physique, le tout sur une basse disco. Une certaine idée de la musique du futur.

9
Clues
Clues

Formé par un ex-Unicorns et un ex-Arcade Fire, Clues représente tout ce qui rend l'indie rock concis si enthousiasmant: inventif, foutraque, fiévreux et sensuel.

10
Sunn O)))
Monoliths & Dimensions

Derrière l'habillage venant du doom métal, Monoliths & Dimensions se révèle être une puissante symphonie vibratoire.

11/Girls – Album
12/El Grupo Nuevo de Omar Rodriguez Lopez – Cryptomnesia
13/Sufjan Stevens – The BQE
14/DM Stith – Heavy Ghost
15/Evangelista – Prince of Truth
16/Fuck Buttons – Tarot Sport
17/Sonic Youth – The Eternal
18/Times New Viking – Born Again Revisited
19/Wild Beasts – Two Dancers
20/Bygones – By

François.

TOP DES BLOGUEURS 2009

2009-12-16T10:00:00.005+01:00

Le Top Blogueurs 2009 : La sélection des meilleurs albums de l’année :

Le Top des Blogueurs regroupe 37 passionnés de musique réunis autour d'un classement des meilleurs albums de l'année avec pour objectif de défendre leurs coups de cœur et découvertes sans pour autant négliger les incontournables de 2009. Après de longs débats et plus de 580 disques cités, nous sommes heureux de vous présenter cet article collaboratif publié à l'identique sur tous nos blogs !

St Vincent - Actor

Panda Panda : Dans le monde merveilleux d’Annie Clark, les instruments à vent et à cordes dansent ensemble d’une jolie manière, parfois balayés par l’horreur tapie dans un coin qui ressurgit sous la forme de déflagrations électriques et tordues, l’imaginaire de la belle étonne et ne ressemble à nul autre avec ses cent idées à l’heure. C’est donc tout naturellement et avec un plaisir immense qu’on retrouve ce drôle d’Actor à cette vingtième place. (A lire également la chronique d’Olivier)

Marie-Flore - More than thirty seconds if you please

Arbobo : Le parcours de trop de "grands" a fait oublier combien un premier disque pouvait être fort, déjà brillant, déjà puissant. Combien c'est rare de faire des débuts aussi bluffants. L'air de rien, Marie-Flore réussit à nous faire lever les poils du premier au dernier titre. Avec ses morceaux tout sauf standard, son sens de la mélodie et sa voix sortie d'un livre de sortilèges, on se demandait si elle saurait nous impressionner autant sur disque qu'elle le fait sur scène. Oui, évidemment, oui. (A lire également la chronique de Benjamin F)

The Tiny - Gravity & Grace

Saab : Trop souvent, on voudrait intellectualiser la musique, qu'elle rentre dans un format cartésien nous permettant de différencier la bonne de la mauvaise. Mais la musique est essentiellement une question d'émotions et le groupe suédois The Tiny en témoigne avec leur troisième album Gravity and Grace, petit chef d'oeuvre inclassable entre folk boisé et pop de chambre. Le chant déchirant d'Ellekari Larsson y est inoubliable. (A lire également la chronique de Daniel)

The XX- S/T

Christophe : Le buzz est un fleuve intarissable qui prend sa source, selon les cas, à Londres ou Brooklyn. Concernant The XX, c’est de la capitale anglaise qu’est parti l’incendie cold-wave et il a tout ravagé sur son passage, jusqu’au line-up du groupe amputé depuis d’un de ses membres. Il y a comme toujours avec ce genre de phénomène, les « pour » et les « anti » mais une chose est sûre, The XX aura marqué d’une belle empreinte l’année 2009. (A lire également la chronique de Paul)

Fever Ray - Fever Ray

Kris : Il se déroule toute une vie parallèle dans les univers perpétuels de The Knife, et aujourd’hui chez Karin Dreijer Andersson en solo sous le pseudo de Fever Ray. Chaque rythme, chaque production, chaque profondeur atteint dans cet album sonne comme des anathèmes foudroyants du monde qui est le nôtre. Cette rugosité empathique, cette urgence apocalyptique, font de Fever Ray une expérience incontournable et impitoyable. (A lire également la chronique de Rod)

Benjamin Biolay - La Superbe

Romink : Conquis, comme tombé sous les charmes de La superbe. Un disque d’hiver, enivrant, enveloppant et compact à la fois malgré son format. Pudique et exhibitionniste, parfois dur, parfois tendre, il berce, stresse, repose et interroge. Comme une météorite qui pénètre l’atmosphère, le double album de Benjamin Biolay illumine l’automne et laissera, c’est certain, son empreinte dans la mémoire collective. (A lire également la chronique de JS)

Dominique A - La Musique

Christophe : Depuis la mort de Bashung, ils ne sont plus très nombreux les artistes français capables de réconcilier les amoureux de chansons à texte,à la française, et les adeptes de mélodies pop-rock à l’anglo-saxonne. Dominique A est de ceux-là, sans doute même son plus beau représentant. Après presque 20 ans de carrière, il vient une nouvelle fois de prouver tout son talent sur un double album somptueux. (A lire également la chronique de Benoit)

Current 93 - Aleph at Hallucinatory Mountain

Mr Meuble : Album à l'image du groupe, trouble, halluciné et vibrant. Les chants tibétains y côtoient les chants de Maldoror et milles expérimentations cathartiques. Un voyage fascinant qui sonne à la fois comme la bande son de l'apocalypse et celle de la rédemption. (A lire également la chronique de Twist)

Converge - Axe to fall

Systool : Inutile de le nier, Converge aura une fois de plus attaqué notre cortex de plein fouet via les constructions complexes et les guitares abrasives de Axe to Fall. Si on peut louer les collaborations de membres éminents de Neurosis, Cave In ou encore Genghis Tron, on sait pertinemment que tout le mérite revient à Jacob Bannon et à ses trois acolytes. Une écoute traumatisante, indispensable pour cette année 2009 résolument folky. (A lire également la chronique de Benjamin F)

Bill Callahan - Sometimes I Wish We Were An Eagle

Dali : Il se cachait depuis longtemps derrière le pseudo Smog, Bill Callahan sortait cette année un deuxième album en son nom propre : Sometimes I Wish We Were An Eagle. Un disque folk mélancolique et doux, aux mélodies subtiles, en apparence un peu austère : à l'image de Callahan lui même, droit, un peu grave et d'une classe folle, qui se bonifie avec le temps, et les écoutes. (A lire également la chronique de Thibault)

DM Stith - Heavy Ghost

Disso : Cet album est un chef d'œuvre empli de grâce et de douceur. Des fantômes sur la pointe des pieds dansent sur la mousse des sous-bois, les anges emplissent l'air de leurs chœurs et DM Stith, berger mystique d'une troupe céleste, nous envoute avec sa musique au charme gracile et glacial. (A lire également la chronique de Erwan)

The Limes - S/T

Violette : Un « Groupe Super » où chacun apporte son énergie, sa douceur et sa poésie au petit édifice pour rendre ce premier disque, à première vue basique, unique une fois dans la platine. On ne peut s’empêcher d’être fier et rassuré de voir une jeune relève française sachant s’affranchir des frontières pour notre bien (essayez donc de lire cette phrase à haute voix !). (A lire également la chronique de Arbobo)

Vic Chesnutt - At the Cut

Mmarsupilami : Vic Chesnutt, vingt ans de carrière, quinze albums et un couronnement de plus avec At The Cut. Les complices musiciens du label Constellation s’effacent pour créer une oppressante ambiance musicale faite de cordes, drones et menaces. La voix de Chesnutt zèbre et éclaire cet orage électrique de sa fulgurance. Prises au piège de l’humanité, les pierres en pleureraient... (A lire également la chronique de Thomas)

Cougar - Patriot

Anousonne : Cougar est une des surprises de l’année, mais amplement méritée tant Patriot a réussi à synthétiser le raffinement de Tortoise, l'intensité fleuve d'un Do Make Say Think tout en s'accordant des plongées mélodiques échappées du cerveau de Four Tet. Patriot est un album angulaire, instrumental, bruyant, puissant, jouissif, intense où Cougar redéfinit musicalement sa vision du post-rock. (A lire également la chronique de Martin)

Aufgang - S/T

Benjamin L : « 2 pianos, 1 batterie : ascenseur pour l’inouï », voila comment est vendu Aufgang par son label. En réalité, l’album est tout simplement un des projets les plus ambitieux de ce début de siècle. Un savant mélange entre musique électronique et musique classique, composé comme un mouvement symphonique, avec un début, une fin et surtout un contenu. Précis, incisif, puissant mais mélodieux, cet album pourrait, d’ici quelques années, servir de manifeste à une nouvelle génération de musique. (A lire également la chronique de Violette)

Danger Mouse & Sparklehorse - Dark Night of the Soul

Laurent : Un casting trop luxueux face à un producteur trop en vue, le tout magnifié par les images de David Lynch, Dark Night Of The Soul avait tout pour n’être qu’un feu de paille de plus. Mais c’était sans compter sur le songwriting de Mark Linkous qui insuffle ici une vraie cohérence via des instrumentations racées, écrin idéal pour les voix abîmées de Vic Chesnutt, Franck Black et Iggy Pop. Au final, une œuvre où les talents ne nuisent jamais à l’intimité. (A lire également la chronique de Ju)

Fuck Buttons - Tarot Sport

Ed Loxapac : Le duo Fuck Buttons transforme l'essai avec le magistral Tarot Sport. Bien aidés par la production d'Andrew Weatherall, ils réalisent un album épique, telle une déflagration sonique digne d'un moteur d'avion au décollage. Diffusant un air étrangement euphorisant, Tarot Sport franchit le mur du son en ne laissant derrière lui que cendres et poussières. (A lire également la chronique de Eddie)

Animal Collective - Merriweather Post Pavilion

Sfar : 2008 déjà : un EP époustouflant, des versions live prometteuses d’un album à venir. Mi janvier 2009 : personne ne sort indemne de la sortie de Merriweather Post Pavilion. On évoque alors tout et son contraire : de l’œuvre géniale à l’imposture musicale. Une tournée, une année sont passées et l’album est toujours présent sur nos platines. CQFD. (A lire également la chronique de François)

Grizzly Bear - Veckatimest

Mathieu G : Veckatimest possède une indéniable force mélodique, quelque chose qui redonne à la pop un peu de son sens originel, la bande son qui améliorerait les petits tracas de notre vie quotidienne. En étant à la fois acoustique et puissant dans ses constructions qui partent dans une multitude de directions ; Grizzly Bear vient de réaliser le grand moment pop de l’année. (A lire également la chronique de Julien)

Ramona Falls - Intuit

Lyle : Qui l'aurait cru en début d'année : un album du leader de Menomena classé ici ? Mais sous le nom de Ramona Falls, Brent Knopf, accompagné d'un tas d'amis, a mis de l'ordre dans la pop foutraque de son groupe pour en garder le meilleur : une musique aux influences variées, complexe dans ses arrangements mais extrêmement entrainante et accessible. Digne d'être plébiscitée par le plus grand nombre. (A lire également la chronique de Thibault)

Les participants au Top des Blogueurs 2009 :

Anousonne de Grandcrew ; Benjamin F de Playlist Society et du Ricard sa Live Music ; Benjamin L de Soul Kitchen, Benoit de Pop Revue Express, de Hop Blog et de Benzine ; une bonne partie de l’équipe de Dans le mur du son : avec Arbobo de Arbobo, Erwan de The man of Rennes steals our hearts, Lyle de J’écoute de la musique de merde, Thomas du Golb et de Culturofil, et Twist de I left without my hat ; Dali de This Is All About Audio Dynamite ; Daniel de Listen See Feel ; Disso de Derrière la fenêtre ; Ed Loxapac de Chroniques Electroniques ; trois Indie Pop Rockeurs avec Christophe de La Tête à Toto, Mathieu de Ramdom Songs et Paul de Pomme de Pin ; Eddie du Choix de Mlle Eddie ; François de Dans Mon Mange-Disque ; JS de Good Karma ; Ju de Des Oreilles Dans Babylones ; Julien de Des Chibres et Des Lettres et de Goûte mes Disques ; Kris d’Au bout du chemin et de Sound Of Violence ; Laure de Not For Tourists ; Laurent de Rocktrotteur ; Martin de Branche Ton Sonotone ; Mmarsupilami de Little Reviews ; Mr Meuble de Sous les pavés, la Plage ; Olivier de Feu à Volonté ; Panda Panda de Ears of Panda ; Pierre de Musik Please ; Rod du Hiboo ; Romink de My(Good)Zik ; Saab de With Music In My Mind ; Sfar de Toujours un coup d’avance ! ; Systool du Gueusif Online ; Thibault de La Quenelle Culturelle et Violette des Rigolotes chrOniques futiLes et insoLentes

Vous pouvez retrouvez l’intégralité des disques cités dans le classement ici

Chef de projet : Benjamin F / Conception et Logo : Laurent / Communication : Waaa

[Bonus Tracks] : Air, Girls, Jim O'Rourke, Times New Viking

2009-11-19T19:27:00.032+01:00

Air – Love 2
Virgin
5 Octobre 2009
2,5/5

Love 2 peut facilement être considéré comme l'album synthétisant la discographie du duo versaillais : on y retrouve le romantisme frenchy de Moon Safari (Love), le psychédélisme aventureux de 10 000 Hertz Legend (Do The Joy), le virage pop de Talkie Walkie (Missing The Light Of The Day), et le nappage sucré et agaçant exploré par Jean Benoit Dunckel en 2006 sur son album solo (Sing Sang Sung). Et paradoxalement, on sent en eux une volonté claire de dynamiser les compositions pour les détacher du concept « zen » du précédent Pocket Symphony (avec un rythme motorik soutenu sur près de la moitié de l’album). Si on est d’abord impressionné par l’excellent travail de production (la mise en espace et la diversité des sons utilisés impose le respect, un mélange unique d’instrumentation vintage à de l’électronique moderne) et l’homogénéité des ambiances, on est assez vite lassé par la manque d’épaisseur des compositions. Il manque de vraies chansons mémorables, tout simplement. Malgré le gros travail de recherche esthétique qui s’en dégage, elles sont soit trop répétitives, soit trop brèves ou inachevés (une utilisation presque constante du fade out). J’attends plus d’un album entièrement produit par le duo, seul dans son propre studio. Love 2 marque la fermeture d’une boucle pour Air (15 ans, 6 albums studios, un groupe qui tourne en rond), et peut être le début d’une toute nouvelle orientation (je l’espère !) avec, selon les dires de Nicolas Godin, un album plus expérimental pour la suite.

Girls – Album
True Panther Sounds
22 Septembre 2009
3,5/5

Avec ses airs de rock de branleurs indie (une voix très nasillarde et une nonchalance généralisée), j’ai d’abord eu du mal à comprendre comment un groupe pareil a pu faire autant parler de lui en 2009. En fait l'attrait de Girls repose beaucoup sur la personnalité du chanteur Christopher Owens, dont l’histoire tragique (racontée en interview, et retranscrite un peu partout sur les blogs) se fait facilement ressentir. Sa façon très touchante d'exposer à cœur ouvert ses douleurs et ses déceptions par des paroles simples en fait un personnage immédiatement charismatique. La réussite de l’Album tient aussi beaucoup à la production de Chet "JR" White, qui à partir des textes et des accords de Christopher Owens a su revisiter quelques grands classiques du rock en 12 chansons codées. Cet exercice de style synthétique (on y croise le rockabilly d’Elvis Presley, la pop solaire des Beach Boys, le shoegaze de My Bloody Valentine, le cool rock de Pavement) évite le passéisme vain de beaucoup de groupes actuels (la vague revival Post Punk à la The Editors, le néo Krautrock à la française) car il est profondément incarné par une âme sensible exprimant un spleen adolescent avec une rare efficacité rock.

Jim O’Rourke – The Visitor
Drag City
14 Septembre 2009
4/5

Depuis le Japon où il est en exil artistique depuis plus de 9 ans, Jim O’Rourke (ancien membre de Sonic Youth, producteur majeur, multi-instrumentiste et expérimentateur de renom) continue sa série d’albums pour le label Drag City avec cette symphonie de chambre de 40 minutes (guitare acoustique, piano, batterie, basse, tambourin, banjo, claviers). Pour les oreilles non averties, il est difficile de s’accrocher à The Visitor, long voyage poétique qui multiplie les changements imprévus de registres et oublie plus que jamais les schémas habituels en 4/4 de la pop. C’est de loin l’album le plus exigeant de la série, et il faut s’accrocher pour ne pas perdre ses repères au milieu des nombreux trous d’air. On a perdu l’hypnotisme onirique de Bad Timing (avec lequel il forme une sorte de dyptique), mais l’impression d’écouter quelque chose d'infiniment précieux perdure longtemps. The Visitor est un disque dont on n’est jamais réellement sorti, jusqu’à la résolution de son énigme.

Times New Viking – Born Again Revisited
Matador Records
22 Septembre 2009
3,5/5

De toute la vaguelette Shitgaze (un esprit Do It Yourself poussé à l’extrême et qui repose sur un enregistrement sale avec du matériel d’amateur, une non-production et une spontanéité qui frise souvent l’imposture, voir l’article écrit par C'est Entendu), les Times New Viking sont de loin les plus doués et les plus sincères. Car contrairement à Wavves, Japandroids ou No Age, qui cachent l’ineptie de leurs compositions derrière la posture d’une production crado, eux savent écrire des mélodies entêtantes. En faisant abstraction de l’a(nti) production shitgaze, l’essentiel fait surface : les Times New Viking écrivent des chansons pop géniales et addictives (refrains dissonants chantés en chœur, guitares déglinguées, batterie métronomique, petites boucles de claviers sautillantes). Ils n’y vont pas par quatre chemins et foncent droit dans le mur en visant juste, comme si la radicalité du Velvet Underground rencontrait l’immédiateté pop de Blur. Born Again Revisited ne révolutionne en rien la musique, mais il est mené par des types à forte personnalité qui n'ont pas d'autre ambition que de concocter une injection jouissive de tubes frappadingues.

François.

[Tourne Disque] : The Snobs - Albatross

2009-10-18T19:05:00.015+02:00

The Snobs – Albatross
Autoproduit
26 Mars 2009
5/5

Je vous avais promis en avril dernier de parler au plus vite du dernier album des Snobs (un duo français composé des frères Mad Rabbit et Duck Feeling), et c’est seulement aujourd’hui que je tiens ma promesse, 6 mois après sa sortie. Heureusement, il n’est jamais trop tard pour faire découvrir un chef d’œuvre.

Après une série d’albums de rock psychédélique lorgnant vers la noise, le krautrock, le post rock et la pop, Albatross fait figure de point culminant ultime dans la discographie des Snobs, avec un disque conceptuel hautement maitrisé et captivant du début à la fin. Le thème global est de prime abord ultra séduisant : Mad Rabbit (voix, samples, paroles) et Duck Feeling (guitares, basse, claviers) nous invitent à un voyage épique en compagnie de deux valeureux moussaillons, à travers les océans entre l'Inde et les Caraïbes. Le pari est réussi : dès Mothergoose, le deuxième morceau, les images d’une bataille maritime nocturne précédée d'une attente insurmontable s’installent instantanément dans mon esprit.

Plutôt que de comparer Albatross à tels ou tels musiciens cultes, je préfère rapprocher la musique des Snobs au cinéma de Tarantino dans la démarche : de l’art référencé qui sublime les influences, tout en innovant avec des procédés inédits. On entend clairement à l’écoute d’Albatross une musique érudite menée par deux passionnés de post punk, de krautrock et de pop sixties. Mais au lieu de s'adonner facilement à l'hommage appuyé, les Snobs optent pour une revisitation moderne de ces influences, porté par une vision aboutie et personnelle. Cette vision consiste justement à faire vivre à l’auditeur une expérience cinématographique riche, grâce à une grande fresque musicale et à une musique hybride aux multiples registres. Et depuis Melody Nelson de Gainsbourg, il est quasiment impossible de trouver des œuvres musicales françaises aussi puissamment visuelles qu’Albatross.

Tout au long de l’album, les multiples inventions instrumentales arrivent à transformer les idées musicales en matière purement palpable. La guitare expressionniste de Duck Feeling créée des mouvements identifiables par des images (la formation d’une vague, les tangages d’un bateau, une bataille maritime féroce, des courants chauds lors de l’arrivée aux Caraïbes), et les suites de notes d’une imagination folle relèvent autant des lignes contemplatives de Gus Van Sant que des traits en escalier de Marcel Duchamp (début et milieu de Caribbean). Non je n'hallucine pas, c’est cette liberté d'approche qui fait d’Albatross une musique explosant totalement les barrières entre les formes d’arts, évoquant alors pour moi autant des œuvres venant du cinéma que de la peinture ou de la musique. L’album se termine par les 10 minutes brillantes de Caribbean, un enchainement narratif de séquences bluffantes, formant une épopée lumineuse (la chorale vocale de Mad Rabbit en ouverture), inquiétante (les samples entremêlés de voix venus d'ailleurs), dansante (la guitare élastique sur la basse répétitive kraut) et surprenante, jusque dans sa chute finale. Le plaisir d’écoute est total, et Albatross sonne déjà comme un futur classique underground.

François.

L’album est téléchargeable gratuitement sur leur site officiel, et vous pouvez l'écoutez dès maintenant avec le lecteur ci dessous:

[Tourne Disque] : Muse - The Resistance

2009-10-01T10:00:00.010+02:00

Label : Warner Bros
Sortie : 14 Septembre 2009
2,5/5

De groupe alternatif devenu culte chez les jeunes amateurs de rock mélodramatique au début des années 2000 (avec Showbiz et Origin of Symmetry), Muse est devenu ce mastodonte commercial, inégal et ambitieux jusqu’à l’indigestion. Dans The Resistance, on peut donc entendre au sein d’un même titre un orgue d'église, des déploiements prog lyriques et des riffs massifs à la Metallica (sur MK Ultra), ou une hystérie Queenesque menant sur des mélodies à la Lawrence d’Arabie pour terminer sur une revisitation au piano solo des Nocturnes de Chopin (sur United States of Eurasia). En d'autres mots, ils en viennent à faire tout et n'importe quoi. Au milieu de tous ces titres souvent difformes (mais surtout assez jubilatoires dans leurs enchainements), on retiendra comme vraie nouveauté Undisclosed Desire (un tube R’n’B de pop synthétique catchy), et I Belong To You, le morceau le plus réussi grâce à sa légèreté. Sur un clavier de saloon, Matthew Bellamy y interprète sa mélodie baroque la plus maitrisée, entourée de chœurs angéliques merveilleux et finement incorporés. Et lorsque le morceau se calme sur un registre fifties (avec des paroles chantées en français) avant de se relancer avec un solo de clarinette, c’est à la fois drôle et prenant.

Finalement ce qui agace le plus chez Muse (aucune cohérence d’ensemble, un pompiérisme sans limites et revendiqué) se révèle être aussi sa plus grande force. Au sein de cet amas de disques de rock populaires très policés, le trio fait preuve d’une grande liberté dans les formes, les structures et le mélange des genres (prog rock, college rock, symphonie classique, métal, R'n'B, pop). Et même si le tout est calibré FM et se noie trop souvent dans une maladresse de mauvais gout (le piano de supermarché de Resistance, le trip new age Guiding Light, la symphonie rock en trois mouvements intitulée Exogenesis), l’effort est à louer. Après 10 ans d’existence et une popularité grandissante, Muse est surement devenu le groupe de rock commercial à succès le plus foutraque. Maintenant, pour arriver à sortir de cette esthétisme de série B (leur coté nanar attachant) et passer de la cour de récréation à la cour des grands, il leur reste du chemin à faire. Diversifier impérativement leurs influences serait un bon début (entre Queen, Rage Against The Machine et Depeche Mode qui planent lourdement sur leur musique depuis 3 albums, il leur faudrait penser à s’intéresser à quelques essentiels comme, au hasard, Can ou Brian Eno). Espérer une telle chose est presque hors-sujet (du Muse mesuré et sans grandiloquence, ce ne serait plus du Muse), mais quand on pense à la révolution stylistique opérée par Talk Talk en 1991 (un passage d'une pop typiquement années 80 au raffinement post-rock le plus gracieux), on se dit que rien n'est impossible.

François.

http://www.myspace.com/muse
A regarder, cette vidéo très drôle où lors de la présentation en playback forcé de leur dernier single Uprising à la télévision italienne, les membres du groupe se sont amusés à échanger leurs places afin de déjouer la dictature promotionnelle. Nous avons donc le chanteur Matthew Bellamy à la batterie, le bassiste à la guitare et le batteur au chant. Le tout bien sûr sans que la présentatrice ne se rende compte de rien, et ce même durant l'interview où le batteur fait durer la supercherie jusqu'au bout.

[Télégrammes] : L'actualité musicale du mois de Septembre

2009-09-30T09:10:00.000+02:00

Le second épisode de la saga Twilight intitulé New Moon s’accompagne de la crème du rock indie pour sa bande originale, avec pour l'occasion des morceaux inédits de Thom Yorke, Lykke Li, Bon Iver, St Vincent et Grizzly Bear.

New Moon Soundtrack :
01 Death Cab for Cutie: "Meet Me on the Equinox"
02 Band of Skulls: "Friends"
03 Thom Yorke: "Hearing Damage"
04 Lykke Li: "Possibility"
05 The Killers: "A White Demon Love Song"
06 Anya Marina: "Satellite Heart"
07 Muse: "I Belong to You (New Moon Remix)"
08 Bon Iver and St. Vincent: "Rosyln"
09 Black Rebel Motorcycle Club: "Done All Wrong"
10 Hurricane Bells: "Monsters"
11 Sea Wolf: "The Violet Hour"
12 OK Go: "Shooting the Moon"
13 Grizzly Bear: "Slow Life" [ft. Beach House's Victoria Legrand]
14 Editors: "No Sound But the Wind"
15 Alexandre Desplat: "New Moon (The Meadow)"

Thom Yorke a sorti le 21 septembre dernier un nouveau single composé de deux titres: The Hollow Hearth et l'étincelant et incroyablement riche Feeling Pulled Apart by Horses (la version initiale de Reckoner).

Afin de pouvoir jouer en live ces deux morceaux ainsi que l’album The Eraser, Thom Yorke a aussi fondé un nouveau groupe composé de Nigel Godrich (le fidèle producteur de Radiohead), Joey Waronker (le batteur de Beck et de REM), Mauro Refosco et plus étonnant encore, Flea, le bassiste des Red Hot Chili Peppers. Deux dates ont été annoncés pour début octobre à Los Angeles, on attend de pied ferme une visite du supergroupe en France.

Pendant ce temps, Phil Selway, le batteur de Radiohead, travaille dur sur l'enregistrement de son premier album solo dans le studio de son groupe à Oxford.

C’est officiel, Pavement, le groupe américain nonchalant le plus cool des années 90 se réunit pour une tournée mondiale en 2010.

Toujours pas de nouvelles sérieuses des Strokes depuis 2006, par contre leur chanteur Julian Casablancas a enregistré son premier album solo, Phrazes for the Young. Sortie prévue le 19 octobre. En écoute, le single rétro-futuriste 11th Dimension, suivi de la pochette de l’album.

Le groupe d’afropop Vampire Weekend a terminé l’enregistrement de son deuxième album, Contra. Sortie du disque-pub pour Ralph Lauren le 12 janvier 2010.

Pour la promotion de Love 2, le prochain album de Air, le clip du single Sing Sang Sung a été postée sur Internet. Une superbe illustration à l'esthétique jeu vidéo pour une chanson aérienne des plus sucrées.

François.

[Tourne Disque] : Tyondai Braxton - Central Market

2009-09-28T19:44:00.011+02:00

Label : Warp Records
Sortie : 14 Septembre 2009
5/5

Pour son deuxième album solo en 7 ans, le multi-instrumentiste Tyondai Braxton (fils du jazzman culte Anthony Braxton, et membre du groupe de math rock Battles) s’accompagne de l’ensemble orchestral Worldless Music Orchestra pour élaborer ses idées que l’on croirait sans limites. Sur Central Market, il met à exécution ses études dans le domaine de la composition de musique classique, qu’il nourrit de sa science des boucles électroniques. Le projet est ambitieux, moderne, et aurait pu être réservé aux musicologues les plus assidus. Au contraire, Tyondai Braxton a su lier avec une grande maitrise la richesse de la musique symphonique et orchestrale (de Maurice Ravel à Stravinsky) à une inventivité délirante et fun évoquant la facette la plus cartoon de Battles. Il a eu l’idée géniale d’ajouter au sérieux de la musique savante une instrumentation inhabituelle avec l’aide de guitares, claviers, boucles électroniques, kazoos et sifflements. Toute la première partie ébouriffante de Central Market nous emmène dans une fantaisie orchestrale ludique et menée sans temps morts, dont la finesse d’écriture impressionne. Avec toute cette profusion d’idées structurées, Tyondai Braxton s’épanouit ici totalement en tant que compositeur. La deuxième partie vient ajouter un registre plus sombre à l’album. J.City, le morceau le plus connecté au monde réel, déploie une soul futuriste et urbaine sur des riffs de guitares hypnotiques dignes de Glenn Branca, et Dead Strings clôt l’album d’une apocalypse de bruits survolés par des cordes inquiétantes. La première partie lumineuse couplée avec l’obscurité de la deuxième en fait un disque total. Mais surtout Tyondai Braxton n’oublie pas tout au long du disque d’user de sa voix, toujours de manière unique, avec des intonations goofy, groovy et jouissives.

François.

http://www.myspace.com/tyondaibraxton

En extrait audio, la pièce centrale de l'album, Platinum Rows:

[Télégrammes] : Semaine du 31 août au 6 septembre

2009-09-06T23:29:00.003+02:00

Du côté de The Blueprint 3 ça avance un peu. La troisième version de ce que l'on peut considérer comme l'un des meilleurs albums rap de tous les temps a été leakée en début de semaine. Le dernier album de Jay-Z est selon beaucoup assez faible, peu prometteur. Le rappeur a d'ores et déjà annoncé une nouvelle tournée.

Jack White et Keith Richards travaillent en ce moment sur de nouveaux morceaux. Sans pour autant préciser la nature de cette collaboration Keith préfère rester évasif à la question "Les Whites pourraient-ils produire le prochain stones ?"

Carl Barat serait en train de préparer un nouvel album pour l'année prochaine. Le dernier album de Pete Doherty m'avait laissé un peu dubitatif, espérons que la prochaine production de son acolyte accorde tout le monde.

Christopher.

[Télégrammes] : Semaine du 24 au 29 Aout

2009-08-30T12:20:00.019+02:00

Massive Attack redonne enfin signe de vie, et pas des moindres. Le groupe reviendra pour la première fois depuis 2001 sous sa formation presque complète (3D et Daddy G, sans Mushroom) avec la sortie en février 2010 de leur cinquième album. Pendant cette éternelle attente, on aura la chance dès le 5 octobre de découvrir l'EP Splitting The Atom. La chanson titre, dévoilée à la BBC radio 1, est écoutable ci dessous. La soul moderne de ce morceau est fascinante. Comme pour Portishead en 2008, la profondeur et la froideur lancinante de cette musique m'évoque un retour naturel et non opportuniste pour ces revenants du Trip Hop (et pourtant cela ne sonne justement pas comme du Trip Hop, c'est la meilleure surprise).

Après sa collaboration avec Air, Jarvis Cocker et Neil Hannon en 2006, Charlotte Gainsbourg continue sur sa lancée en travaillant cette fois ci avec Beck. Ce dernier a co-écrit les paroles, composé, produit et mixé l'album IRM, destiné à sortir en Janvier 2010.

Pour ceux qui aime la pop orchestrale des Last Shadow Puppets, sachez que Miles Kane, qui y est pour beaucoup dans la réussite de l'album, avait enregistré dans l'ombre de ce projet parallèle un excellent album de pop sixties psychédélique l'année dernière avec The Rascals. Malheureusement, il vient de quitter son groupe. Heureusement, il compte poursuivre une carrière solo.

Rien de bien surprenant, les frères Ghallager se sont battus hors scène lors du festival Rock en Seine, causant l'annulation du concert et la fin d'Oasis. Ne pouvant plus supporter de travailler avec son frère, Noel Gallhager aurait quitté le groupe, pour le bien de tous: "It's with some sadness and great relief to tell you that I quit Oasis tonight. People will write and say what they like, but I simply could not go on working with Liam a day longer."

François.

[Télégrammes] : Semaine du 17 au 22 Aout

2009-08-23T23:06:00.011+02:00

Le duo américain basse/batterie de noise rock Lightning Bolt enverra au placard une fois de plus les groupes à la Wavves et No Age avec la sortie le 13 octobre de leur nouvel (et cinquième) album Earthly Delights. Pour les plus impatients, pas de panique, sachez que les membres du groupe prédisent une fuite de l'album sur internet pour très bientot : "la fuite digitale d'Earthly Delights devrait apparaitre sur internet le......hmmm, disons, vers le 31 aout prochain? début septembre? à vous de me le dire".

Les post rockeux Do Make Say Think de chez Constellation ont apparemment encore des choses dire. A vérifier le 20 octobre avec l'album Other Truths : 4 titres, et une magnifique pochette.

Le multi-instrumentiste Geoff Barrow de Portishead nous révèle son appartenance à un groupe parallèle nommé Beak> (avec Billy Fuller et Matt Williams de Bristol). Comme ils n'ont pas besoin de faire monter un quelconque buzz en faisant patienter les fans, l'album éponyme est déjà terminé (enregistrement dans une seule pièce, pas d'overdub, écriture des compositions en 12 jours) et est attendue pour le 19 octobre. Le très kraut I Know est écoutable ici.

Kraftwerk, un des groupes allemands des 70's les plus influents dans le monde de la pop électronique publiera en octobre la remasterisation de tout leur catalogue studio dans une box appelée 12345678: The Catalogue. Heureusement, il sera aussi possible de se procurer les géniaux Radio-Activity (1975), Trans-Europe Express (1977) et The Man Machine (1978) individuellement.

François.

[Tourne Disque] : What's Up – Content Imagination

2009-08-23T01:19:00.014+02:00

Obey Your Brain
22 Juin 2009
3/5

Plus qu’une réelle pseudo année-musicale-de-merde je pense que 2008 nous avait fatigué tellement elle était bonne. Ayant repris du service avec la ferme intention de ne plus me tenir à ma mauvaise foi habituelle j’ai tenté, avec précaution, de réhabituer mon oreille à l’aventure et à la découverte.

Avec pour uniques albums de chevet et de métro le parfait Hold Your Horse Is de Hella et l’intégrale des Jackson 5 il était difficile de me réhabituer au nouveau.

Les choses commencent bien avec le finalement correct Content Imagination de What’s Up. « Finalement correct» car j’ai mis plus de trois semaines à écrire la présente chronique. En réalité plutôt deux jours à me prendre la tête face à ce casse tête qu’est Content Imagination.

En effet, pris dans ma lubie associant à tout ce que j’écoute le mot math j’ai été en premier lieu séduit par cette musique impulsive et en apparence facile d’écoute mais qui s’avère beaucoup plus hermétique sur la longueur.

Entrée en matière plutôt hasardeuse avec le très bancal Yes qui m’a fait pensé l’espace de deux secondes être en plein milieu de l’entracte d’un match de la NHL avec Charly Oleg aux clavier se lançant dans une improvisation soupe au lait.
Seasoning’s Greeting vient sauver la baraque qui commençait à prendre l’eau. On assiste à une succession d’impulsions donnant l’impression que l’arpégiateur serait lui même samplé. C’est très simple en surface et très efficace. Une atmosphère assez spatiale se dégage de ce morceau, quelque chose de stellaire. A certains moments on croirait les soubresauts du batteur se confondre avec des relans Magmaiens, laissant entrevoir un Vander au sommet de son art en pleine époque Attahk.

En fait cet album a comme gros désavantage d’être très inégal ; on oscille entre certains moments vraiment Math et catchy avec par exemple Fool’s Gold donc le côté répétitif avançant en boucle introduit merveilleusement l’excellent A long Expression qui force est de constater est le meilleur titre de l’album.

Ce n’est que dans ces « bons » morceaux qu’on parvient à saisir les différentes textures, la rythmique est toujours aussi folle et nous ferait presque confondre le synthé et la batterie. Je crois que c’est cela qui m’a d’ailleurs surpris sur cette album, cette sensation où la musique ne serait que temps et ce malgré la mélodie. Ce n’est qu’avec le morceau French Song que What’s Up nous donne enfin ce qu’on attendait, de la musique brute, martelée et sans concessions. La saturation des aigus en devient salvatrice.

Résultat, un album à 50% qui a pour le sauver la chance de contenir certains excellents titres. Il donne un sentiment de « Battles squelettique ». Battles oui, toujours Battles, qui depuis 2007 reste notre unique référence. What’s up délivre un disque mineur certes mais qui participe à dessiner l’hypothétique musique des années à venir.

Christopher

http://www.myspace.com/whatsupwhatsupwhatsup

[Bonus Tracks] : Crystal Antlers, HEALTH, Blind Man's Color, Diamond Watch Wrists

2009-08-19T21:38:00.027+02:00

Crystal Antlers – Tentacles
Touch and Go
06 Avril 2009
3/5

Dans le genre revival 70’s, les Crystal Antlers se débrouillent plutôt bien avec leur rock psyché-garage lo-fi (un enregistrement live des 13 titres de l'album en une semaine). Guitares fuzz, orgue spatiale, chant hurlé, désordre foutraque, tout y est. S’il n’y a rien de très innovant, il se dégage de cette cacophonie survoltée une puissance collective non entendue depuis des lustres.

HEALTH - Get Color
Lovepump United
8 Septembre 2009
1,5/5

Le premier album de HEALTH sorti en 2007 avait fortement attisé ma curiosité lors de sa sortie, grâce à ses pulsions primitives (coupures brusques de rythmes, assauts de guitares noises). Il se révéla finalement très lassant à la longue (ils ne savent pas composer de chansons), et ce second album confirme bien que cette musique n’était en aucun cas guidée par des pulsions, mais par une mise en place très calculée de gimmicks soniques. Get Colors reprend exactement la même recette que l’album éponyme (avec un peu plus de parasites électroniques), sans oublier bien sûr d’omettre les insipides mélodies vocales.

Blind Man’s Colour – Season Dreaming
Kanine Records
18 Aout 2009
2/5

Le dernier album d’Animal Collective est sorti en janvier dernier, et fait apparemment déjà des petits. Je vais peut être un peu vite en affirmant cela, car Season Dreaming de Blind Man’s Colour (deux jeunes de 19 ans !) a tout du sous-album jumeau. Si bien qu’il aurait aisément pu faire office de fake pour tromper les hackers avant la sortie de Merriweather Post Pavilion. On retrouve les mêmes ondes aquatiques, le même fourmillement électronique, les mêmes mélodies rêveuses, mais sans le génie pop d’Animal collective (à défaut de construire des chansons, ils restent dans le domaine de la pop planante et abstraite). Ils sont doués et manient à merveille cette exercice de style sous influences, il ne leur reste maintenant plus qu’à se trouver une identité propre pour sortir du lot.

Diamond Watch Wrists – Ice Capped At Both Ends
Warp
28 Avril 2009
3/5

Zach Hill n’a pas fini de nous surprendre. Le batteur virtuose du groupe de math rock Hella n’est à priori condamné à ne participer qu’à des projets excessifs et sans limites. Avec Scott Herren (aussi connu sous le pseudonyme de Prefuse 73) aux manettes de ce nouveau projet, il se retrouve embarqué dans une rêverie électro acoustique (instrumentations luxurieuses, chant susurré). En s’adaptant à un univers relaxant, le jeu complexe de Zach Hill permet de créer une musique à deux registres à priori opposés : les douceurs brumeuses sur des rythmiques hyper sensitives. Une belle petite curiosité.
http://www.myspace.com/diamondwatchwrists

François.

[Télégrammes] : Semaine du 10 au 15 Aout

2009-08-15T12:29:00.021+02:00

WALL OF ICE, LE NOUVEL EP DE RADIOHEAD POUR CE LUNDI 17 AOUT??? Depuis la parution mystérieuse sur internet mercredi dernier de la chanson inédite de Radiohead These Are My Twisted Words (aucune source officielle ne s'est encore manifestée), toute la presse musicale est en alerte maximale (BBC, Washington Post, Guardian, Pitchfork, Stereogum...). D'après les déchiffrages du fameux code accompagnant la chanson, ce titre serait extrait d'un nouvel EP digital de 4 chansons, titré Wall OF Ice, et qui devrait d'après les rumeurs sortir ce lundi 17 aout. Fait intéressant, le nom de l'hypothétique EP est tiré du comic XKCD, référant à un dévastateur mur de glace détruisant l'industrie du disque... En attendant désespérément lundi que nos espoirs se réalisent, nous pouvons écouter ici These Are My Twisted Words, excellent retour stylistique vers la période Kid A/Amnesiac (également téléchargeable par ce lien pour une meilleure qualité de son):

Le nouvel album tant attendu de Final Fantasy (le violonniste Owen Pallett d'Arcade Fire), Heartland, devrait finalement paraitre en janvier 2010 sur Domino.

Le mythique batteur de jazz Rashied Ali est mort à 76 ans. Connu pour avoir joué avec les illustres Pharoah Sanders, Albert Ayler, Archie Shepp et Carlos Santana, sa prestation studio la plus mémorable restera toujours pour moi celle de l'album Interstellar Space, enregistré en duo avec John Coltrane en 1967. Son jeu "multidirectionnel" et enflammé envoie littéralement le saxophone free de Coltrane vers des sphères inconnues.

Le concert prétendument extraordinaire Stop Making Sense (1984) du groupe de post-punk/afro/funk Talking Heads sera éditée en haute définition sur Blu-Ray le 13 octobre pour son 25ème anniversaire.

Tom Waits apparait dans le trailer de L'Imaginarium du Docteur Parnassus, le prochain film du cinéaste maudit Terry Gilliam (les petits Johnny Depp, Heath Ledger, Colin Farell et Jude Law complètent le casting). Parmi ses films les plus marquants figurent essentiellement ceux réalisés par Jim Jarmush: Down By Law et Coffee & Cigarettes.

François.

[J'y étais !] : Damo Suzuki @ Hoxton Square Bar & Kitchen, Londres, 11 Aout

2009-08-12T18:19:00.013+02:00

Inutile de vous dire à quel point j'étais excité à l'idée d’aller voir en concert mon idole kraut, Damo Suzuki (le mythique chanteur de Can). Pour cette prestation vocale, il fut accompagné du groupe Japonais Drum Eyes : une machine de guerre oppressante composée de deux batteries rigides (quoiqu’un peu simplistes), un guitariste noise tout fou qui faisait vibrer ses cordes avec sa voix, un trompettiste free, et une basse sursaturée aux lourdes suites de notes. Au sein de ce vacarme organisé, Damo Suzuki était d'une simplicité et d'une modestie exemplaire, sans le comportement du vieux dinosaure des années 70 dépassé par les événements. Sa vitalité était aussi très surprenante: il a improvisé sans relâche sur une heure de musique non stop, construisant avec intensité des mélodies chantées à répétition. J'avais peur de retrouver le Damo Suzuki à la voix rauque de l'EP Please Heat This Eventually enregistré en 2005 avec Omar Rodriguez de Mars Volta. Il n'en était (presque) rien, juste quelques rares croches graves entre les longues mélodies épileptiques et sensuelles, qui apportaient déjà tant de grâce à la musique expérimentale de Can. 4/5

[Télégrammes] : Semaine du 3 au 8 Aout

2009-08-08T13:37:00.033+02:00

S'il y a bien un concert à ne pas rater cette année à Paris, c'est celui de Grizzly Bear le 21 novembre prochain à la Cigale, avec St Vincent en première partie!

Le groupe Radiohead (ou plutôt Thom Yorke + Jonny Greenwood) a enregistré une chanson inédite à la mémoire d'Harry Patch, le dernier soldat survivant de la première guerre mondiale. Le style de Harry Patch (In Memory Of) est en cohérence avec les derniers propos de Thom Yorke quand à l'avenir du groupe. S'ils ne souhaitent plus pour le moment, et probablement pour longtemps, retourner en studio pour enregistrer un disque de la durée standard d'un album, ils ont évoqué la réalisation d'un EP de musique essentiellement orchestrale.

Après avoir annoncés la sortie en septembre d'un disque de reprises de leur tout dernier album, les Fiery Furnaces font encore parler d'eux cette semaine avec une idée encore plus farfelue. Le projet Silent Record consistera à enregistrer les performances sur scène de fans, dirigés par le duo. "Aucune expérience n'est requise" pour y participer. Tout est expliqué clairement sur leur site officiel: "Le prochain essai des Fiery Furnaces consiste à inclure des partitions réglementaires de musique, des notations musicales graphiques, des comptes-rendus et illustrations de performances hypothétiques passées, des comptes-rendus et illustrations de performances hypothétiques avant même l'idée de leur survenance, des manuels de fabrication de machines rock semi-automatiques, un mémorial destiné au non existant Comité Central Des Fiery Furnaces En Exil concernant la non-création de situations, une division dédiée au rock progressif (...), et plein d’autres choses qui n’ont rien à voir avec le prix des œufs, du lait ou d'autres choses dont le langage commun a cessé de parler".

La pochette du nouvel album de Muse a été dévoilée. A en juger cette image digne des meilleurs films de série Z, et les chansons United States of Eurasia et Uprising extraits du disque, on peut s'attendre à un album nanar ultime pour fêter la fin de la décennie.

François.

[C'était mieux avant !] : Can #5 - Future Days (1973)

2009-08-07T07:00:00.008+02:00

Avec Future Days, Can s’immerge dans les profondeurs de la forêt tropicale, éclairé par un rayon cosmique comme seul guide. En cohérence avec les influences world music acquises depuis Ege Bamyasi, le groupe développe brillamment un changement majeur d'écriture (ambiances lumineuses, couleurs vives, textures aériennes) pour accoucher d’une bossa nova de science fiction, une musique calypso de fin du monde. Il y a ici une empreinte proche des musiques ambient (lignes ondulantes, vagues de chaleurs, douceurs brumeuses), mais toujours dominée par ce rythme obsédant si cher au groupe. Jaki Liebeizeit enrichit son jeu métronomique d’accélérations free, au milieu des multi-couches synthétiques d’Irmin Schmidt et des guitares incandescentes de Michael Karoli.

Après plusieurs mois d'explorations, il m’est toujours difficile d’en sortir sans y découvrir de nouveaux détails. Une abondance d’éléments environnementaux (orchestrés par Holger Czukay) occupent tout l’espace sonore, et attribuent au disque une forte dimension visuelle (ce qui confère Future Days à un évident et lointain cousin du Merriweather Post Pavilion d’Animal Collective). Les rêvasseries de Damo Suzuki en forme de berceuses pour enfants émergent délicatement de ce fourmillement contemplatif, formant un tourbillon d’affects apaisants. Malgré la multitude d’effets synthétique venant des claviers, l’alchimie presque métaphysique entre les musiciens persiste, car avant tout guidée par des pulsions physiques. Ce disque monde aux richesses inépuisables place Can au sommet de sa créativité.

François.

Tracklist:
1. Future Days (9:30)
2. Spray (8:29)
3. Moonshake (3:04)
4. Bel Air (19:52)
Télécharger Future Days

[C'était mieux avant !] : Can #4 - Ege Bamyasi (1972)

2009-08-06T07:00:00.004+02:00

Suite à l’extrême Tago Mago, Can redéfinit une fois de plus son approche, avec cet album bien plus accessible. Une sensibilité funk apparait, les morceaux sont concis, le chant en retenue et la guitare déploie de claires arpèges délicates plutôt que des stridences électriques. Il y a clairement sur Ege Bamyasi une ouverture vers une légèreté pop, avec One More Night, I’m So Green ou Spoon (qui a même figuré dans les charts allemands). Mais au lieu de composer des morceaux pop classiques, ils gardent cette rythmique implacable et continuent de faire évoluer leur style en faisant planer des sonorités venant de la world music. Swing Sang Sun, magnifique ballade lancinante, est le plus bel exemple de cette relecture, et évoque un voyage aquatique sur les fleuves de l’Amazonie. Enfin le dantesque Vitamin C, morceau central de l’album, risque bien de vous rendre dépendant de la musique de Can.

Les étrangetés ne sont pas exclues, comme Pinch, entrée en matière kaléidoscopique et aventureuse (batterie en décalage, multitudes de sons en éclats, espace sonore en relief), et Soup, le morceau qui synthétise au mieux le son de Can au sein d'un même titre (le groove psychédélique et les expérimentations extrêmes). D’un hymne rock puissant débouche un cataclysme industriel : armés d'outils en tous genres (perceuse électrique, plaques de métal...), ils forment un mur de bruit assourdissant, en jouant avec les nuances et les fluctuations, rendant le morceau finalement très facile et ludique à suivre (du bruit maitrisé en somme). Par-dessus et au milieu de toute cette masse assourdissante, Damo Suzuki (qu’on imagine sous l'emprise directe d'hallucinogènes durant cette session) déroule des vocalises littéralement déglinguées (bruits d'extraterrestre, suffocations, cris d'effrois). Avec ces chansons lumineuses réunies autour de cette courte expérience (10 minutes pour ce genre de performances, c'est un exploit) Ege Bamyasi fait idéalement le pont entre Tago Mago et leur plus grand chef d’œuvre à venir, Future Days.

François.

Tracklist:
1. Pinch (9:28)
2. Sing Swan Song (4:49)
3. One More Night (5:35)
4. Vitamin C (3:34)
5. Soup (10:25)
6. I'm So Green (3:03)
7. Spoon (3:03)
Télécharger Ege Bamyasi

[C'était mieux avant !] : Can #3 - Tago Mago (1971)

2009-08-05T07:00:00.002+02:00

On arrive à leur première œuvre la plus totale : Tago Mago, la bible du rock psychédélique et expérimental. Ce double album est leur plus extrême, mais aussi le plus souvent cité en référence. Les pépites Krautrock de la première moitié vont faire figure de modèle du genre. Sur une obstination répétitive increvable, les compositions élastiques (accélérations rythmiques, belle mélodie introductive menant à des chuchotements narcotiques sur Paperhouse) démontrent l’aptitude de Can à mettre en avant l’imprévisible. Le groupe créé aussi une des lignes de basses les plus mémorables sur Oh Yeah, nouveau morceau ovni, quelque part entre les étoiles (le clavier planant) et les bas fonds ténébreux (chant passé à l’envers, batterie disciplinaire d’une précision inhumaine). Hallelluyah clôture cette première face de sa gigantesque fête tribale et futuriste de 18 minutes.

La deuxième partie se concentre sur l’expérimentation pure, avec Augmn et Peking O. Est-ce que cela doit se traduire par un ennui abrutissant ? Non, leurs créations formalistes ressemblent plutôt à des jeux cérébraux délirants, préfigurant les usages des samples dans les musiques électroniques. En effet, Holger Czukay prend le meilleur de leurs sessions improvisées pour les assembler par collages (montage, accélération, et ralentissement des bandes passées en boucle). Peking O se trouve plus réussi que le terrifiant Augmn, par sa concision et la performance hautement physique de Damo Suzuki, totalement en transe lors de l’enregistrement de sa voix, improvisant jusqu’à déblatérer des paroles dans une langue inconnue et à une vitesse insoutenable. Après un disque aussi radical, le groupe Can va reprendre ses esprits et se diriger vers la lumière, avec Ege Bamyasi.

François.

Tracklist:
1. Paperhouse (7:28)
2. Mushroom (4:03)
3. Oh Yeah (7:23)
4. Halleluhwah (18:32)
5. Aumgn (17:37)
6. Peking O (11:37)
7. Bring Me Coffee or Tea (6:47)
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[C'était mieux avant !] : Can #2 - Soundtracks (1970)

2009-08-04T07:00:00.002+02:00

Entre 1969 et 1970, le groupe Can compose la bande originale de plusieurs films allemands, lesquels sont édités dans Soundtracks. Contre toute attente, ce sont bien des chansons auxquels nous avons affaire, et bien plus qu’une simple compilation de morceaux : Soundtracks sonne comme un vrai album homogène. Il marque surtout l’arrivée du nouveau chanteur de Can pour 4 des albums les plus marquants du groupe : l’extraordinaire Damo Suzuki. Alors quittés par le dépressif Malcolm Mooney suite à l’enregistrement de Monster Movie, Holger Czukay et Jaki Liebezeit rencontrèrent par hasard le japonais lors d’une de ses performances de rue à Munich. Impressionnés par son charisme, ils l’invitèrent immédiatement à se joindre au groupe pour un concert le soir même. Ce mélodiste hors pair va s’avérer être un élément majeur de la musique de Can : un chant aérien et profondément ambigu, une sensualité ténébreuse.

Les titres de Soundtracks sont de superbes chansons mélancoliques, estampillées cette fois ci d’un tissu de guitares plaintives. Un pas de plus est franchi : l’instinct tribal de Jaki Lebeizeit se trouve ancré parmi les simples mélodies entêtantes de Damo Suzuki (Tango Whiskeyman). On saisit alors à quel point la force des musiques ethniques n’est pas que l’affaire du rock obscur. Can enregistre également un coup de maitre psychédélique de 15 minutes, parfaitement maitrisé et sidérant de bout en bout : le passionnant Mother Sky. Lebeizeit soutient durant tout le long du morceau un rythme rapide tendu comme une corde, offrant régulièrement des envolées tribales virtuoses ; la guitare expressionniste de Karoli nous électrise avec ses riffs atonaux et violents ; le claviériste Schmidt injecte des sons psychotiques à la matière ; et le bassiste Czukay confirme sa capacité unique à hypnotiser en jouant à répétition deux uniques notes pendant plusieurs minutes, tout en groovant. On pourrait croire que le chant ne puisse pas avoir sa place au sein de ce gigantesque terrain d’expérimentation. Ce serait mal connaitre Can, capable d’allier pure recherche sonore et belles harmonies vocales enivrantes (tout comme le fera Radiohead 30 ans plus tard sur Kid A) ; le chant répétitif en escalier de Damo Suzuki est là pour structurer la jam.

Pour sa dernière contribution au sein du groupe, l’américain Malcoolm Mooney tire sa révérence de la plus belle manière qui soit, et clôture exceptionnellement l’album avec le délicat et jazzy She Brings The Rain. Soundtracks est à coup sûr la meilleure porte d’entrée pour aborder l’univers de Can.

François.

Tracklist:
1. Deadlock (3:27)
2. Tango Whiskyman (4:04)
3. Deadlock (Titelmusik) (1:40)
4. Don't Turn the Light On, Leave Me Alone (3:42)
5. Soul Desert (3:48)
6. Mother Sky (14:31)
7. She Brings the Rain (4:04)
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[C'était mieux avant !] : Can #1 - Monster Movie (1969)

2009-08-03T07:00:00.005+02:00

En pleine vague hippie, des artistes comme Captain Beefheart, Frank Zappa, King Crimson, ou White Noise marquent en 1969 la fin de la pop sixties en enregistrant des albums détachés de tous ces idéaux. De Cologne, un petit groupe teuton prépare aussi sa révolution, avec une approche frontalement radicale. Sur Monster Movie, Can fait déjà preuve d’une profonde singularité : on est dès les premières secondes attaqué par de violentes décharges soniques ; l’apocalypse avant Fun House des Stooges, du proto punk avant la révolution punk de 1977 ! Le rythme métronomique est en place, les parties de guitares sont nerveuses et stridentes, les notes de clavier acides, la basse hypnotique.

Ce rock primitif se voit influencé par les expérimentations bruitistes du Velvet Underground, qui trouve en Can son plus noble successeur. Au chant, le poète américain Malcolm Mooney avec son flow presque rappé (Father Cannot Yell) et ses mélodies instables (Mary, Mary So Contrary) participe aussi beaucoup à l’anomalie de l’album, pouvant crier jusqu’au dernier souffle (Outside My Door). Le morceau Yoo Doo Right (éditée à partir d’une jam session de 6 heures) achève l’album de ses 20 minutes de transe improvisée et physique. Une pièce maitresse hallucinante, qui marque Can au fer rouge dans la catégorie des anthologies du rock.

François.

Tracklist:
1. Father Cannot Yell (7:06)
2. Mary, Mary So Contrary (6:22)
3. Outside My Door (4:11)
4. Yoo Doo Right (20:27)
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[C'était mieux avant !] : CAN, le rock en mutation

2009-08-02T07:00:00.007+02:00

"Can were our clarion call, our initition to our future" - Thurston Moore (Sonic Youth)

Le krautrock (musiques expérimentales allemandes des années 70) a ressurgi au milieu des années 90, grâce entres autres au livre du passionné Julian Cope (Krautrock Sampler). De ce mouvement, on en retiendra deux tendances : les longues contemplations électroniques, dites "kosmic" (Tangerine Dream, Cluster, Klaus Schulze, Harmonia), et le rock psychédélique free (Amon Düül II, Ash Ra Tempel) et/ou "motorik" (Can, Faust, Neu !). Parmi tous ces groupes, Can affichait très vite sa différence en arrivant à combiner répétitions et chaleur organique. Leur musique moderne (encore pour aujourd’hui) se base sur trois éléments indissociables et fondateurs : la recherche, la transe, et le groove.

Des expérimentations sur les structures libres des morceaux, les textures sonores, le traitement des bandes et l’utilisation des synthétiseurs ; une transe par des rythmes répétitifs rapides ; et un groove de tous les instants qui emmènent l’avant-garde vers la lumière. De cette approche organique, Can y élabore des compositions en spirales infernales, en y mettant la batterie constamment en avant.

La maturité prématurée du groupe teuton ne vient pas de nulle part : les 4 membres piliers sont quasiment tous musicologues. Le bassiste Holger Czukay, professeur de musique et élève de Stockhausen ; le claviériste Irmin Schmidt, directeur d’orchestre et compositeur primé au conservatoire ; le guitariste et violoniste Michael Karoli, ancien élève de Czukay ; et le batteur de jazz Jaki Lebeizeit, passionné de musiques ethniques. Ensemble, avec 2 chanteurs successifs (Malcolm Mooney et Damo Suzuki), et influencés par le rock anglo-saxon, ils injectent dans leur rock sous acides de l’avant-garde, tout en y accordant une place majeure aux mélodies.

Aujourd’hui, de nombreux musiciens de tous horizons se réclament de l’influence de Can : légendes du rock (David Bowie, Joy Division), rock expérimental (Brian Eno, Public Image Limited, Sonic Youth, Radiohead), trip-hop (Portishead), hip-hop (Kanye West, qui a repris Sing Swan Song), ainsi qu’une multitude de DJ's (Aphex Twin en tête). Leur avance de plusieurs décennies n’est plus à démontrer, il ne reste plus qu’à se laisser hypnotiser.

Grâce à un enregistrement en autarcie (le groupe possédait son propre studio), à leur maitrise de la science musicale et à leur ouverture aux musiques du monde, leur style ne cesse d’évoluer, du rock primitif de Monster Movie au rêve tropical de Future Days. A partir de demain, toute la semaine sera consacrée à une rétrospective des 5 premiers et meilleurs albums de Can (de 1969 à 1973), tous essentiels dans leur genre.

François.

[Télégrammes] : Semaine du 27 Juillet au 1er Aout

2009-08-01T12:23:00.018+02:00

La semaine indie a surtout été marquée par une performance live chevronnée de Final Fantasy (alias Owen Pallett, violonniste d'Arcade Fire et compositeur des cordes des Last Shadow Puppets). Il y joue l'inédit Lewis Takes Off His Shirt (extrait de son prochain album) à Guelph (Canada) sans se laisser un instant décourager par les trombes d'eau qui semblaient s'abattre sur lui.

Vous avez aimé (ou aimerez) I'm Going Away des Fiery Furnaces? Vous pourrez l'écoutez sous un jour nouveau, puisque Matthew et Eleanor Friedberger reprendront chacun à leur manière 6 des titres du disque en studio : "mis à part les textes, les mélodies n’auront rien à voir avec les originales". Le LP hommage sera publié en septembre prochain.

Le premier single de l'album Humbug des Arctic Monkeys, Crying Lightning, bénéficie d'un clip maritime hollywoodien. Bon...vivement le deuxième album des Last Shadow Puppets!

Un extrait du prochain album des Fuck Buttons est téléchargeable ici. Avec Surf Solar, le duo continuent leur approche dronesque tout en s'essayant aux speeds.

Enfin Daft Punk a bien signé la bande originale du blockbuster Tron Legacy. Sortie du film en 2010.

François.

[J'y étais !] : Marnie Stern + Tartufi + Trash Kit @ The Luminaire, Londres, 23 Juillet

2009-07-29T12:00:00.004+02:00

Sans le savoir avant d’y arriver, j’allais passer une soirée spéciale « math girls ».C'est-à-dire une série de concerts punchy et concentrées autour de boucles de guitares hypnotiques, joués par des filles qui ont assurément beaucoup écouté Battles ou Don Caballero.

Les trois londoniennes de Trash Kit évoquent inévitablement une version math des Slits, avec cette façon de tordre un genre vers quelque chose de tribal et de joyeux. Elles assurent toutes techniquement, et l’énergie ne faiblit pas. Il ne leur reste plus qu’à composer de vraies chansons, car on n’a eu le droit qu’à des fragments d’idées d’1mn 30 maximum. Myspace. 3/5

Tartufi a été la grande surprise de la soirée. Ils sont deux sur scène, mais il suffit de fermer un instant les yeux pour avoir l’impression d’écouter jouer 10 musiciens. Brian Gorman (batterie, claviers, xylophone) et Lynne Angel (chant, guitare, basse, claviers) sont multi-instrumentistes et passent sans cesse d’un instrument à l’autre au sein d’un même morceau, en ayant recours à l’enregistrement de boucles en directs. Leur musique est donc basée sur des superpositions progressives de couches, permettant aux morceaux aux structures complexes de se développer. Mais attention, il n’est pas question d’une musique à crescendo pompeuse et simpliste à la Explosions In The Sky, mais plutôt d’un bordel magistralement ordonné, avec des changements constant de boucles maths et de rythmes. Les morceaux se sont enchainés sans temps morts (si bien que j’avais l’impression de voir se construire un long mouvement de 30 minutes). Leur deuxième album Nests Of Waves And Wire est sorti en mai dernier. Super découverte, un groupe très aventureux à suivre ! Myspace. 4/5

Vint ensuite le show tant attendu de la guitar heroin Marnie Stern : concert impeccable, on y retrouve la même dextérité et folie que sur disque. Mais le tout manquait monstrueusement de générosité. Ce n’est pas qu’elle n’arrive pas à restituer l’énérgie phénoménale qu’il y a sur son dernier album, mais elle a simplement du mal à la surpasser. L’absence de Zach Hill sur scène se fait peut être aussi inconsciemment ressentir. Il y a eu aussi un gros problème quand à la durée de sa prestation. Je sais bien qu’elle succédait à déjà au moins 1h30 de musique avec les deux groupes précédents, mais on est tous venu au départ pour elle, et elle ne reste que 45 minutes. Elle nous a même fait attendre 5 minutes à l’issu de son show, pour finalement ne pas revenir. Pour combler le tout, la bassiste, beaucoup trop bavarde, perdait son temps à coups d’interludes parlées ennuyeuses en mettant apparemment Marnie Stern mal à l’aise avec ses histoires. J’en retiens quand même de nombreux moments intenses, et elle reste la reine du rock géométrique…sur disque. Myspace. 2,5/5

François.

[Tourne Disque] : The Fiery Furnaces - I'm Going Away

2009-07-27T19:44:00.012+02:00

Label : Thrill Jockey

Sortie : 21 Juillet 2009

4/5

J'ai longtemps été un peu éloigné des Fiery Furnaces parce qu'ils étaient trop prog pour moi. Ils faisaient des albums réputés brillants (François vous en parlerait mieux que moi), mais trop longs, trop complexes. Je ne suis pas assez intelligent pour ça, ni assez patient, et je ne suis pas le seul. Voilà pourquoi après avoir bien aimé leur "EP" qui n'en était pas un ("Single Again" reste un sacré tube!), j'ai totalement décroché. Mais nous voilà 4 ans plus tard, et après une pléthore d'albums qui m'ont fait peur (comme le double-album live interminable de l'année dernière, Remember - si c'est pas la preuve prog ultime ça!), I'm Going Away arrive comme un album plus "facile" de la part du duo, plus accessible. Et c'est très bien comme ça.

Voilà un album "à l'ancienne", c'est-à-dire un vrai album, une collection de chansons qui forment un tout cohérent au milieu duquel tout les morceaux sont parfaitement à leur place. Voilà un album qu'on écoute pas pour 4 très bons moments qu'on passe en boucle, mais pour 12 compositions réussies qui se suivent avec une fluidité trop rare de nos jours. Ça sonne comme un truisme d'avoir à rappeler ce qu'est un vrai album de pop music (car I'm Going Away est définitivement pop, et c'est là sa force) un album pop d'après le modèle en vigueur depuis, disons, la fin des 60's, mais bon sang, pour une fois qu'un groupe semble l'avoir pigé, on est en droit de se réjouir et le défendre face à des armées de blasés.

La fin des 60's d'ailleurs, puisqu'on en parle, elle est présente dans cet album, et c'est tout à son honneur. Ça et les ambiances 70's offrent à cet album un certain charme rétro qui poussera les cyniques et/ou les rockeurs à qualifier cet album de Soft Rock ou je ne sais quoi. Il y a effectivement de ça quand on entend les guitares électriques qui harmonisent dans l'aigu ou sont noyés dans une wah-wah terrible (je pense à "Keep Me in Dark"), certains solos outranciers, certains breaks de batterie à coup de grosses descentes sur les toms, ou le gros piano qui joue fort. Pourtant, il serait de bien mauvais foi celui qui oserait dire que cet album est passéiste, tourné vers une période. Je défie quelqu'un de me dire "ah oui, ça me rappelle tel groupe". Parce que les Fiery Furnaces sonnent comme personne. Ils ont ce penchant tordu et arty, inhérent à tout leur discographie, qui sublime ici le coté bigrement efficace des compositions sans perdre de son pouvoir d'hypnose. Je ne vous parle même pas d'idées qu'on entend directement, comme du fait d'accélérer le tempo pour passer de la ballade en un final gros rock sur "Drive to Dallas", même si ça en fait partie. Non, tout le reste, tout ce qui est caché derrière, tout ce qui est le suc même du groupe. Les arrangements curieux. Les structures bizarres. Les mélodies un peu inattendues. On pourrait croire que tout cela serait dénaturé dans un contexte plus pop-rock ; bien au contraire.

Ce qui est génial, c'est que I'm Going Away montre à quel point ce duo est complémentaire. D'un coté, y'a le frère, Matthew, qui compose des morceaux prenants et riches sans avoir l'air de faire d'efforts (un album par an depuis 2003 tout de même!), mais il ne serait rien sans sa soeur - qui ne serait rien sans lui -, Eleanor, qui surplombe l'album avec sa voix absolument géniale et unique, que ce soit quand elle éructe des phrases interminables sur un "Cut The Cake", ou quand elle se révèle chanteuse rock sur "Staring at the Steepel". Le résultat est un vrai plaisir à écouter. Pour vous faire danser tout seul, y a des tubes impossibles comme le parfait morceau-titre (à la basse qui groove), ou le miraculeux "Charmaine Champagne" (auquel répond "Cups & Punches" qui a les mêmes paroles!) qui swingue plus que tout avec ses syncopes et son petit riff de piano, à coté desquels Eleanor lache des "pa pa pa" avec classe. Et puis quand il s'agit d'être plus posé, écoutez un "The End is Near" et vous verrez bien tout le talent mélodique de cet album. Parce que c'est surtout ça sa grande force : les mélodies. Ultimes très souvent. "Take Me Rounds" et son refrain qui rend heureux. La mélodie au piano de "Even In The Rain". C'est pour ça qu'il passe en boucle chez moi. Il est rempli de choses géniales à écouter, de petits trucs qui donnent envie de chanter fort, de passages ultimes qui font dire à chaque morceau "hé! c'est celui-là mon préféré!". Ce sens pop ne doit jamais être détaché des Fiery Furnaces. Jamais. Et il prend tout son sens ici, dans ces morceaux qui vous font chanter tout en restant intelligents.

Le duo a fait un album de classic rock vous dites? Non, je ne crois pas. Ils ont fait un album inclassable et irrésistible. Non mais rendez vous compte! C'est un album homogène, réussi, assez posé et rempli de mélodies d'enfer sur des refrains super chouettes! C'est vrai que dit comme ça, on dirait que je parle d'un album sorti il y a longtemps.

Emilien.

www.thefieryfurnaces.com

www.myspace.com/thefieryfurnaces

Vous trouverez la vidéo de Charmaine Champagne en dessous de ce post, dans la rubrique Télégrammes! J'ajoute que les Fiery Furnacles sont en ce moment même en train d'enregistrer deux albums de reprise de I'm Going Away, un par membre. Les deux versions revisitées en solo sortiront en Septembre! On vous en reparlera dans le Mange-Disque, évidemment.

[Le billboard du Mange Disque] : Les remarques les plus couramments entendues sur la musique

2009-07-26T15:00:00.000+02:00

Les morceaux du Mange Disque suscitent de multiples réactions venant de notre entourage. Morceaux choisis de celles qui reviennent le plus souvent.

François
- "C’est un peu répétitif quand même"
- "Ça ?! De la musique ?! J’appelle ça du bruit moi"
- "Quand est ce que le chant arrive ?"
- "Oué ça va, c’est pas mal"
- "Quoi ?! Il n’y a que 5 morceaux dans l’album ? Ils ne se sont pas trop foulés hein !" (en parlant d'un disque composé de titres de 10 à 20 minutes)

Émilien
- "Ce n'est pas de la musique ça. C'est du bruit"
(variante ingénue et plus familiale : "le lecteur cd est cassé?")
- "C'est toujours la même chose cette musique, c'est répétitif"
- "Heu... c'est bizarre ton truc... t'aimes vraiment écouter ça?"
(ou "ah, t'écoutes encore un de tes trucs bizarres..." pour les gens plus habitués)
- "Ah oui, ça me rappelle un peu [un truc qui n'a rien à voir]"
(suivi forcement d'un "heu... oui.... un peu" en guise de réponse gênée)
- "C'est sympa" (verdict douloureux de l'indifférence polie)

Christopher
- "Quand est ce que ça commence ?"
- "C'est un peu long non ?"
- "Ça ne te dérange pas de baisser un peu stp ?"
- "Ça veut dire quoi harsh-zheul-prog-drone-noise-math rock ?"
- "C'est vraiment pas mal hein !"

[Télégrammes] : Semaine du 20 au 25 Juillet

2009-07-25T17:51:00.025+02:00

Un nouveau morceau du prochain album de Muse (The Resistance) a été dévoilé : The United States of Eurasia. Quand Muse fait ressusciter Freddie Mercury dans le Sahara, tout en pillant Chopin :

Ils s’enfoncent dans leur trip prog grandiloquent; j’aurais préféré plus de folie et moins de pillage.

La meilleure nouvelle de la semaine : Jim O’Rourke (ancien membre et producteur de Sonic Youth, musicien protéiforme, auteur de la pop la plus classique à l’expérimentale la plus chevronnée) revient enfin le 8 Septembre prochain avec un (vrai) nouvel album très attendu. The Visitor sera dans la veine de l’intemporel Bad Timing, avec un unique morceau de 38 minutes.

On retrouve la boule disco de Bad Timing en éclats et on peut ainsi s’attendre à un nouveau miracle de free folk étoilé.

Triple actualité pour Thom Yorke, pour trois inédits :

Le chanteur de Radiohead a composé un nouveau morceau studio écoutable ici, pour la compilation Ciao My Shining Star: The Songs of Mark Mulcahy, dédiée à la défunte femme de Mark Mulcahy, membre du groupe New Heaver.

Concert solo lors d’un festival : nouveau style capillaire, et accessoirement, nouvelle chanson, The Present Tense.

Il a aussi composé une chanson pour le deuxième épisode de Twilight. Le terrifiant Suck Young Blood de Hail To The Thief aurait parfaitement fait l’affaire, mais toutes les raisons sont bonnes pour une nouvelle chanson de Thom Yorke.

Pour les fans de Constellation, deux sorties enthousiasmantes par deux piliers du label montréalais :

Prince of Thruth de Carla Bozulich/Evangelista, pour le 5 Octobre

At The Cut de Vic Chestnutt, pour le 21 Septembre

Au passage, n’oubliez pas d’écouter les trois dernières formidables parutions du label : Clues, Land of Kush et Elfin Saddle.

Nouveau clip des Fiery Furnaces : le boogie-woogie Charmaigne Champagne, tiré de leur génial dernier album, I’m Going Away. Le duo de pop expérimental démontrent qu’ils savent faire des chansons accessibles, toutes aussi passionnantes que leurs travaux les plus compliqués :

Enfin le duo Fuck Buttons, auteur du mémorable album de drone électronique planant Street Horrrsing, a dévoilé la sortie de Tarot Sport pour le 12 octobre prochain.

En bonus, une info un peu datée : un extrait du prochain album solo de Tyondai Braxton (guitares/claviers/voix de Battles) !

Cela ressemble fortement à du Battles orchestral et symphonique, ou, au choix, à une version avant-gardiste d’un générique de Tex Avery.

François.

[J'y étais !] : Deerhoof @ La Scala, Londres, 1er Juillet

2009-07-24T22:40:00.024+02:00

5/5
Myspace

J'ai vu pour la deuxième fois Deerhoof à Londres, et ils confirment ce que je pensais: ce groupe américain de pop dada excentrique est le meilleur à voir en concert. Ils répondent aux attentes les plus primaires du spectateur rock : danser en convulsions, s’amuser des chorégraphies scéniques, s’émerveiller de la complexité et de la maitrise du show. Il est rare que je sois aussi attentif à chaque détail lors d'un concert, dégustant au maximum chaque seconde passée en leur compagnie: les décharges d'énergies imprévisibles du batteur Greg Saunier (impossible en sa présence de tenir la mesure en tapant du pied), le chant délicieusement bizarre de Satomi, et le jeu hyper précis et instinctif des deux guitaristes, Ed Rodriguez et John Dieterich. A ce propos, ces deux immenses musiciens réalisent une synthèse incroyable de tous les riffs possibles et inimaginables du rock, des attaques punk agressives aux arpèges math rock en boucles. Et puis il y a cette complicité rare entre les quatre musiciens, qui transpire la sincérité.

Ce concert m'a aussi fait prendre conscience qu'ils sont avant tout de vrais performers scéniques. Il ne faut pas oublier que c'est de la pop enfantine hardcore, techniquement compliquée et progressive dans son essence (sans tous les mauvais côtés associés et bien connus), avec une énergie punk, tout en étant submergée de sursauts joyeux. Ce qui en fait une musique définitivement unique et sans nulle doute impossible à jouer correctement en reprise.

Deerhoof laisse aussi la place durant leurs shows à de purs chocs soniques, comme ce magnifique larsen collectif de plus de 2 minutes qu'ils nous ont offert, soutenu part un déluge percussif ahurissant de tous les diables. Ils ont tout compris, un concert de rock, ce n'est pas de l'interprétation, ça se vit.

François.

[Bonus Tracks] : Ebony Bones, Revolver, La Roux, The Dead Weather

2009-07-20T00:16:00.005+02:00

Ebony Bones - Bones Of My Bones
Pias
6 Juillet 2009
3/5

D’actrice de drama anglaise jusqu’en 2005, Ebony Thomas est devenue la diva punk Ebony Bones. Entourée d’une troupe d’huluberlus costumés comme dans un carnaval futuriste (un sioux en guise de guitariste, les deux chœurs aux cheveux teintés de bleu et de violet incarnant des sorcières africaines possédées, un mystérieux claviériste masqué au chapeau melon, et la reine submergée d’imposants colliers multicolores), elle s’est vite imposée comme une artiste inclassable dans la musique mainstream. A côté de ce parti pris visuel osé, la musique explose elle aussi quelques carcans : dynamiques dignes de Liquid Liquid (percussions afrobeat qui viennent des bas-fonds), ska foutraque (pas très loin des Slits), énergie punk et multi voix qui cavalcadent dans tous les sens. On pense aussi bien sûr aussi à M.I.A ou à Santigold, ces chanteuses à fortes personnalités artistiques, mais contrairement à ces dernières, Ebony Bones n’est pas aussi convaincante sur disque que sur scène. Bones Of My Bones accuse une sérieuse baisse de régime dans son deuxième quart (des morceaux plus radio-friendly avec des beats lourdingues presque "house") ainsi qu’un effet de redondance dans son ensemble. Maintenant que la recette est présentée sur ce premier album, on attend un vrai déploiement pour le prochain.

Revolver – Music For a While
EMI
1^er Juin 2009
2/5

Le trio parisien Revolver connait bien ses classiques, et fait plus que le prouver sur son premier album. Rempli à ras bord de références pop et folk, des Beatles aux Beach Boys en passant par Simon And Garfunkel, Music For a While est un disque élégant (vocalises aériennes, mélodies délicates, superbes arrangements) et bien écrit. On pourrait saluer l’hommage de bon goût, mais Revolver n’est en fait rien de plus qu’un cover band sixties haut de gamme, qui a pour seul atout (ce n’est pas négligeable) de donner envie de réécouter les originaux (The Kinks, Montage, The Zombies).

La Roux – La Roux
Polydor
29 Juin 2009
1,5/5

Au contraire de tous ces groupes d'indie fluo qui ne font que singer les codes eighties avec vulgarité, La Roux les maitrise elle à merveille (beats sophistiqués, claviers punchy, production exemplaire), et arrive à se démarquer suffisamment grâce à son timbre de voix ample qui vaut parfois le détour. Mais même en admettant qu’on puisse apprécier ce genre de pop gluante (en termes de synth pop tubesque, ce disque pourrait bien faire figure de modèle), La Roux a le même symptôme que Music For A While de Revolver : un disque passéiste et bien fabriqué qui n’apporte absolument rien.

The Dead Weather - Horehound
Third Man
13 Juillet 2009
1/5

The Dead Weather est un projet de rêve (Jack White des White Stripes, Alison Mosshart des Kills, Jack Lawrence des Raconteurs et Alison Mosshart des Queens of the Stone Age), pour un album de hard rock grossier qui serait passé complètement inaperçu sans ses guests stars. Tout est balancé droit dans le mur avec lourdeur, seules I Cut Like a Buffalo (avec son clavier prog et les hennissements de Jack White) et l'instrumentale étrange 3 Birds parviennent à sortir du lot. Ces deux morceaux approchent un univers baroque et dark qui aurait du survoler tout l’album pour qu’il eut été un tant sois peu original.

François.

[Tourne Disque] : Le Klub Des 7 - La Classe de Musique

2009-07-15T19:20:00.013+02:00

Label : Encore Music

Sortie : 25 Mai 2009

4/5

Vous attendiez quelque chose de cet album? Sérieusement? Je veux dire à part si vous étiez super fan, les autres, vous l'attendiez? En 2009, vous pensiez vraiment qu'il y avait quelque chose à espérer du "hip hop alternatif" (je cautionne pas le terme) français après des déconfitures énormes récemment, commencée en 2006 avec le douloureux 3615 TTC? En 2009, vous aviez pas déjà été complètement lassés par l'album du Klub Des Loosers ou les premiers TTC? Franchement, vous pensiez que le deuxième album du Klub des 7 allait être juste intéressant après un premier trop bordélique pour être marquant et la mort d'un des membres? Moi non. Je ne croyais pas du tout en cet album, ni en ce groupe, ni en fuzati, ni en personne pour me faire aimer à nouveau du rap français en 2009. Je les voyais mort. Quand on m'a dit "y'a un nouveau klub des 7", j'en ai d'abord eu rien à foutre : qu'attendre de types qui ont tout dit et vivent sur des recettes, des trucs, des gimmicks? Cynarure rappe vite, Fuzati est déprimé, etc. Mais finalement, La Classe de Musique se révèle être étonnement réussi et prend toutes les critiques de court en étant tout simplement d'une efficacité redoutable.

Déjà parce qu'on a vraiment l'impression d'écouter un "album", de la part d'un vrai "groupe", avec un concept sur les années de l'école primaire qui est un peu éculé, mais utilisé avec un soin tel qu'il lie les morceaux entre eux de manière assez géniale. Oui, c'est un concept album d'une certaine manière, et ça fonctionne très bien, parce que comme dans les expressions écrites à l'école, c'est plus facile quand on a un sujet défini que quand on nous dit "écrivez ce que vous voulez". La dessus, nos 7 membres (moins 1, bien qu'il apparaisse sur certains morceaux - ses camardes lui rende d'ailleurs un très sobre mais touchant hommage dans "L'Appel" qui montre que ces gens là ont aussi du coeur) exposent chacun des thématiques différentes qui leur sont propres, mais qui créent un ensemble homogène, sans qu'aucun n'écrase ni ne desserve les autres. Alors, certes, on peut avoir des petits chouchous (moi, ce serait Gerard Baste, qui est assez ultime sur certains morceaux, ou Fuzati, moins présent mais encore plus efficace qu'avant), mais tout le monde est au top, et c'est un plaisir d'entendre une suite quasi-continue de phrases tellement cools que t'as envie de les ressortir dans la vraie vie (mais c'est pas possible).

Et puis y'a les instrumentaux de Fuzati qui sont assez canons, dans une ambiance sixties très cool (on entend même la basse de lady madonna à un moment) qui sonne du tonnerre. C'est bien simple, sur certains morceaux (je pense à "En Route"), ça fait décoller le truc. Ecoutez "Boule de Cristal", c'est du pure génie, des textes de haut niveau sur des orgues/pianos parfaitement envoyés avec un refrain chanté doucement mélancolique (une ambiance qui parsème tout l'album d'ailleurs), et c'est pareil sur des morceaux comme "C'est Le Klub Des 7". Des morceaux qui ont en plus la qualité de faire intervenir tout les membres du Klub ; ce sont les oeuvres de groupe qui sont donc les plus convaincantes au final. Y'a aussi des petits interludes instrumentaux avec des samples qui sont sympatiques. Seul bémol, les passages parlés qui ont comme unique défaut de ne pas être drôle du tout - dommage que ce soit leur unique objectif ahem ahem.

Bref, voilà un album réjouissant et efficace, sans temps mort ni lacunes. Est-ce qu'il vieillira bien? Est-ce qu'on l'écoutera toujours en 2012? Il me semble que oui, mais le temps nous le dira de toute façon. Pour l'instant, voilà un très bon album de rap français qui sait à la fois être léger et parfois beaucoup plus grave derrière les blagues, et dont les membres sont presque nos potes quand on a fini l'album. Je demande pas plus.

émilien.

Extrait musical de l'album :

Le clip un peu cheap du formidable "Le Chiffre Impair".

LE KLUB DES 7 - Le Chiffre Impair Le Clip
envoyé par LeKlubdes7

[Tourne Disque] : Sunn O))) - Monoliths & Dimentions (contre chronique)

2009-07-10T19:45:00.009+02:00

Label : Southern Lord

Sortie :18 Mai 2009

1,5/5

Longtemps, je me suis couché de bonne heure et je me suis demandé pourquoi Sunn O))) était un groupe aussi nul. C'est pas que j'aime pas le drone, mais j'ai toujours trouvé leurs longues grosses notes graves qui bourdonnent aléatoirement un peu chiantes, et c'est pas faute d'avoir essayé plusieurs albums. C'était presque une blague pour moi ce groupe, à chaque fois que j'entendais un son régulier grave dans la rue, je disais "han, quelqu'un écoute du Sunn O)))" (je riais seul). Alors quand on a présenté Monoliths & Dimensions (ce titre...) comme étant l'album "orchestral" de Sunn O)))), avec des critiques enthousiates dans Wire, j'ai eu un genre d'espoir : un album de drone qui mêlerait grosses guitares et orchestrations de l'enfer? Mais bien sur! Ce sera pas ce qu'on écouterait avant d'aller se coucher, mais il y avait là un créneau génial très peu exploité qui lierait dans un même ensemble le doom et la musique contemporaine. J'y croyais vraiment.

Et j'y ai cru encore pendant 5 minutes à la première écoute. 5 minutes et 38 secondes pour être précis. Parce que Aghartha, morceau assez classique dans l'absolu, commençait bien, c'était assez prenant, c'était dense et ample, il se passait quelque chose. Et puis patatras. Chassez le naturel, il revient au galop. Vous imaginiez Sunn O)))) parti dans des territoires modernes et originaux? Et les revoilà qui se remettent à faire les cons, les voilà encore repartis à se prendre pour des putains de vikings de l'enfer, et voilà une grosse voix grave qui fait peur qui vient tout simplement détruire le morceau, le rendre passablement affreux, façon gros métal qui tache. Je venais juste de rentrer dans le morceau, et voilà que ces cons en capes se croient en live à Stonehedge et se mettent à faire "Beuuuuu" en infra-grave, se raclant la gorge pour faire peur et racontant une histoire qui semble assez longue mais que j'ai pas eu envie de comprendre, parce que les audiobooks doom metal, très peu pour moi. Sérieusement. Dites moi Sunn O)))), pourquoi vous avez fait ça hein? Pourquoi vous avez fait ça sur 3 des 4 morceaux de l'album le coup des grosses voix graves qui vous font remonter les glaires? Vous allez me dire "oui, mais c'est pas ton background le metal, tu peux pas comprendre, pour nous autre qui avions des sweet shirt noirs à 18 ans en s'écoutant des trucs bourrins, ça passe très bien cette voix". Soit. Mais il faudrait donc forcement avoir eu une adolescence de merde pour aimer cet album?

Non mais plus sérieusement, Aghartha, à la fin, avec les violons dégueulasses, les bruits de bois qui craque, ça, c'est excellent, mais y'a cet espèce de faux-druide qui me vibre dans le tympan, et qui fout tout en l'air. Même un solo de kazoo, ça aurait été mieux. Et sur Big Church, avec ses choeurs féminins un peu kitschs mais cools, c'est pareil, revoilà les barbares qui braillent et qui foutent en l'air un morceau pourtant bien parti (même si le coup des sons de cloches, c'était peut être un peu too much). Et je vous parle même pas de Hunting & Gathering (Cydonia), morceau quasiment schizophrène, où se côtoient d'un coté l'horreur absolue (les "beuuuuaaaa" du chanteur, des synthétiseurs impossibles qui viennent des années 80) et les grandes idées (les trompettes de l'apocalypse, les gros riffs sales).

Alors finalement, il nous reste quoi? Il reste Alice, qui est sûrement le morceau pour les gens qui n'aiment pas Sunn O)))))), le seul qui peut leur faire plaisir après 30 minutes de chevelus qui geignent. Déjà, ça a le mérite d'être instrumental, comme un éclair de lucidité. Et puis le morceau en lui-même est peut être celui qui justifie tout Sunn O))))))))), tout leurs albums chiants. Beaucoup plus vide et atmosphérique, on pourrait voir cette composition comme une longue traversée depuis les ténèbres jusqu'à la lumière céleste : ça commence par des guitares lointaines, douloureuses, qu'appuient des arrangements destructeurs mais beaucoup moins sombres qu'auparavant, et petit à petit, ça progresse, le drone se met en place, des sons apparaissent dans l'atmosphère pesante mais à la fois quasiment... épique. La progression est remarquablement conduite, les instruments à vent prennent une place de plus en plus grande, se mélangent, s'envolent, on a comme des frissons, et comme un dernier miracle, le morceau de s'achèver dans une douce clarté inattendue, baignée de harpes enchanteresses, des petites mandolines et d'improvisations au trombone, et c'est absolument magnifique. Alors forcement, quand, au sortir de ce morceau, on réécoute le reste de l'album, on est amer. Mais peu importe, ils peuvent retourner à leurs incantations post-pubères de metalleux, il reste Alice, la meilleure chose qu'ils ont jamais faite.

Ça donne donc un album auquel je donne presque la moyenne, mais surtout grâce à Alice, car, si on voulait être honnête, franchement, ça reste à 3/4 un bon gros gâchis de talent à cause d'une espèce de fascination complètement ringarde et quasiment hilarante pour un coté "druide" dont on aurait pu croire qu'ils auraient eu l'intelligence de se débarrasser. Jetez vos capes les mecs, vous avez plus l'age, y'a un moment où il faut grandir un peu. Dommage Sunn O)))))))))))))))))))))).

Emilien.

ps : je n'ai pas fait un seul copier/coller pour écrire l'insupportable nom du groupe. J'ai plus utilisé la touche ")" de mon clavier que jamais BON SANG.

[Tourne Disque] : Sunn O))) – Monoliths & Dimensions

2009-07-10T14:55:00.012+02:00

Southern Lord
18 Mai 2009
4/5

Il est très dur de juger le drone métal de Sunn O))), et particulièrement Monoliths & Dimensions, qui sonne comme l’aboutissement de 10 ans de musique pour le duo, et bénéficie d’une reconnaissance médiatique plus accrue. Il y a deux façons d’appréhender cette brulante expérience, et surtout deux manières strictement opposées d’en être touché. Basée sur de longs drones métalliques, cette musique avant tout sensorielle contient de nombreux codes ésotériques. On peut en effet trouver risible ces cérémoniales doom de 10 à 20 minutes, mises en scènes comme des messes noires, et portées par des vocalises graves et machiavéliques. Mais si on creuse un peu plus, on y découvre des références bien plus profondes (un hommage à Miles Davis sur Agharta et à Alice Coltrane sur le chef d’oeuvre Alice) et un rayonnement plus spectral et majestueux que véritablement diabolique. Monoliths & Dimensions semble respecter l’essence lourde et primitive de l’univers de Sunn O))), tout en y élargissant largement son horizon avec la participation d’une section orchestrale (cors, harpe, flûte, piano, cuivres, cordes) et de chœurs féminins angéliques. Sûrement grâce à cette ouverture incroyable et à ce sens aigu des nuances et des textures (qui d’ailleurs redonne largement ses lettre de noblesses au doom métal), la musique de Sunn O))) atteint non pas des pics d’intensité mais une immersion passionnante dans un univers parallèle obscur.

François.

http://www.myspace.com/sunnofuneraldoom

[Tourne Disque] : The Mars Volta - Octahedron

2009-06-27T18:26:00.014+02:00

Warner Bros/Mercury
23 Juin 2009
2/5

Après un disque bourré d’énergies violentes et de lignes tendues jusqu’aux cassures imprévisibles (The Bedlam In Goliath), les Mars Volta décident pour Octahedron de prendre une direction plus accessible avec un album plus aéré. L’intention est louable, ils essaient de se réinventer. Seul problème : ce qu’on aime justement chez les texans (et ce qui les rend si particuliers) est leur foutoir, non sens, excès et transe de la vitesse. L’album est donc rempli à moitié de ballades et à moitié de morceaux plus électriques. Sans tomber dans la médiocrité, le groupe déçoit dans les deux cas. On comprend vite que la notion de chanson dépouillée n’est pas compatible avec Mars Volta. En voulant composer des morceaux plus lisibles, ils tombent dans des travers pénibles, parfois proche du prog FM. Le chanteur Cedrix Bixler-Zavala est trop souvent en roue libre, avec ce chant de néo punk levant vaillamment le poing au ciel sur les morceaux rock, ou de diva soul trop lisse sur les ballades. Au niveau instrumental, Omar Rodriguez déçoit aussi, abusant de la reverb pour remplir l’espace sonore. Au lieu des arpèges infernaux auxquels il nous avait habitué, les guitares pachydermiques prennent place, évoquant plus At The Drive In que King Crimson. On a aussi perdu le souffle free de leur big band : les innombrables instants expérimentaux et inventifs qui regorgeaient dans les précédents albums se comptent maintenant en une poignée de minutes, comme emprisonnés dans les structures désormais classiques des chansons. Seule la gracieuse et voluptueuse Twilitht As My Guide s’en sort entièrement avec les honneurs (vocalises délicates, nappes floydiennes), contrairement à la mièvre Copernicus (avec en guise de fermeture des clipotis électro se déposant comme un cheveu sur la soupe). La demi-mesure ne semble donc définitivement pas leur correspondre, et il ne reste plus qu’à espérer qu’Octahedron soit un disque de transition. Il suffit par contre d’aller voir du côté de Cryptomnesia pour avoir sa dose annuel de Mars Volta bouillonnants, grâce à l’impulsion de Zach Hill.

François.

http://www.myspace.com/themarsvolta

[Bonus Tracks] : Grizzly Bear, Phoenix, Sonic Youth, The Horrors, Passion Pit

2009-06-08T17:32:00.038+02:00

Grizzly Bear – Veckatimest
Warp
26 Mai 2009
4,5/5

Avec Veckatimest, le chouchou de Pitchfork s’impose comme un groupe au moins aussi solide que Radiohead. Grizzly Bear impressionne par la clarté de l’ensemble, de la pop de chambre lumineuse rêvant de grands espaces, en prenant à contrepied l’héritage de la musique folk sans la malmener, mais en proposant de nouvelles grilles de composition. Il est d’abord fascinant de voir à quel point le travail en studio est méticuleux, proche de l’orfèvrerie : de la composition, au mixage (3 longs mois), en passant par les arrangements, les quatre membres du groupe passent beaucoup de temps à façonner leurs chansons. Cette production admirable repose surtout sur une grande qualité d’écriture avec des structures imprévisibles, une utilisation inhabituelle (presque expérimentale) des instruments acoustiques, et des vocalises majestueuses et profondes. La lenteur générale des tempos en fait un album passionnant à explorer, car les instants de grâce ne se dévoilent pas instantanément. Chaque morceau contient des mini feux d’artifices (instrumentaux ou vocaux) qui viennent apporter des nuances d’une finesse rare. En témoigne Live With You, composé par Daniel Rossen, l’un des deux chanteurs principaux du groupe. Il illustre musicalement la notion de l’effort récompensée, avec une voix fatiguée qui s’effondre pour mieux s’élancer aussitôt sans que l’on s’y attende. A mille lieux des modes, Grizzly Bear livre, sans prétention mais non sans ambition, quelque chose de grand.

Phoenix – Wolfgang Amadeus Phoenix
V2 Records
25 Mai 2009
2/5

Le groupe qui incarne le mieux le romantisme de la French Touch avec Air, tend de plus en plus depuis It’s Never Been Like That (2006) vers une pop rock plus spontanée et sans artifices (pour ne pas dire conventionnelle). Derrière la trompeuse ambition démesurée signifiée par le titre de l’album, la musique de Phoenix est en fait très modeste, de l’indie rock très anglosaxon aux guitares vintages avec les touches électro en vogue. L’album typiquement cool à mettre en soirée, ennuyeux à écouter chez soi. On les a connus plus inspiré au niveau des mélodies (Alphabetical, 2004), car à part la magique Lisztomania, rien n’est très brillant, ni vraiment anecdotique. C’est le problème de ce disque un peu tiède. On peut louer leur tentative de voyage rétro futuriste de 8 minutes (Love Like a Sunset), malheureusement à côté de la plaque.

Sonic Youth – The Eternal
Matador Records
9 Juin 2009
3,5/5

Sonic Youth restera toujours un modèle d’intégrité dans la musique rock. Depuis leurs débuts au sein du courant no wave, leur vision du noise rock n’a jamais faiblit. C’est bien simple, depuis 1983, avec un rythme de publication d’en moyenne un album tous les deux ans, la qualité de leur musique oscille du chef d’œuvre radical (Confusion is Sex, Daydream Nation, Washing Machine, NYC Ghost and Flowers) au (très) bon disque de rock plus classique, aux fondations toujours solides. The Eternal ne constitue pas un changement majeur de direction pour le groupe, mais plutôt une évolution dans les nuances, avec un son de guitare plus rêche que sur les 3 précédents albums, et de notables nouveautés (les harmonies élévatrices de Leaky Lifeboat, la litanie rock de Massage the History). Malgré tout, au bout de 28 ans de carrière, ils restent les maitres du genre, loin devant toute la fatiguante vague shitgaze et revival shoegaze (Japandroids, Wavves, Pains of Being Pure at Heart etc, lire cet article pour en savoir plus).

The Horrors – Primary Colors
XL Recordings
21 Avril 2009
2,5/5

Si Primary Colors n’est rien de plus qu’un disque de rock passable et efficace qui n’apporte rien de vraiment neuf dans le genre post-cold wave (à côté de Poni Hoax, Editors ou Interpol), l’album vaut surtout pour son puissant et dernier titre: Sea Within a Sea. En 8 minutes, ils font rencontrer le style noir et glacial de Joy Division avec la transe Kraut de Can en concluant par de majestueuses boucles synthétiques évoquant le Portishead de Third (Geoff Barrow, producteur du disque, n’y est sûrement pas pour rien dans cette réussite). Ce n’est pas non plus révolutionnaire, mais ce melting pot moderne surprend agréablement à côté du contenu dispensable et déjà-entendu du reste de l’album.

Passion Pit – Manners
Columbia/Frenchkiss Records
18 Mai 2009
1/5

En un sens, Manners est un document complet et révélateur des pires tendances de l’indie pop de ces dernières années, où tics et maniérismes fluos sont condensés avec amplification. Pas vraiment des suiveurs dénués de talent comme les pathétiques Empire Of The Sun, les Passion Pit peuvent plutôt être vus comme le chainon manquant entre les Klaxons et MGMT. Il n’est pas question de cracher sur cette mode par pur principe, car des artistes comme Animal Collective (sur Merriweather Post Pavilion) ou Dan Deacon sont là pour représenter la face brillante de cette tendance (électro fluo, harmonies pop emphatiques, effets surchargés), grâce à de vraies bonnes idées de composition et une démarche de recherche qui consiste à se tourner vers l’avant plutôt que vers les années 80. En plus d'être trop criarde, le côté décomplexé de Passion Pit n'excuse rien.

François.

[Bonus Tracks] : Sessions de rattrapages

2009-04-29T19:21:00.077+02:00

Franz Ferdinand - Tonight

Domino
26 Janvier 2009
3/5

Myspace

Malgré l’ajout de nouvelles influences années 80, avec synthés, boites à rythmes et samples, Franz Ferdinand ne se laisse pas submerger. Leur efficacité rock’n’roll reste intacte, et même si on entend ci et là quelques maniérismes ou mélodies de mauvais goût, il est toujours difficile de leur reprocher quoi que ce soit, car ce groupe reste une grosse machine à tubes typiquement « cool ». En plus de cela, ils surprennent vraiment lorsqu’ils s’imprègnent d’influences africaines (Send Him Away), succombent à d’immenses refrains pop fédérateurs (le « Wheeeeereeeeever you aaaaare » sur Live Alone) ou s’initient à des trips acides de plusieurs minutes (Lucid Dreams).

Fredo Viola – The Turn
Because Music
16 Mars 2009
2,5/5

Myspace

L’idée de départ est aguicheuse : une symphonie electro-pop influencée par les Beach Boys, essentiellement guidée par la voix multipliée de Fredo Viola, se laissant elle-même aller vers des charabias et autres onomatopées. On parle d’œuvre visionnaire, mais il suffit de réécouter un album de Bobby McFerrin pour se dire qu’il n’a rien inventé. Puis il lui manque encore de vrais qualités de composition en termes d’écriture de pop songs, qui restent encore trop faibles et imprécises pour être suffisamment aguicheuses. Bien sûr, le morceau d’ouverture a une puissance harmonique et vocale impressionnante, mais lorsqu’on découvre le reste de l’album, on a l’impression de s’être fait tromper sur la marchandise (c’est d’ailleurs le seul morceau, avec The Sad Song, qui évoque vraiment les Beach Boys). L’autre moment fort du disque est Ether, grand trip psychédélique (beat noise, notes répétitives de piano, violons dissonants, voix lointaine) qui évolue brillamment à la manière d’une histoire. Pour le futur, s’il pouvait s’engager sur l’une des deux voies avec autant de raffinement sur un album entier, ce serait l’idéal.

Clues – Clues
Constellation Records
18 Mai 2009
4/5

Extraits audios

Constellation, est, je ne vous le répéterais jamais assez, le label qui a enfanté pas moins de 3 groupes majeurs des 2000’s (Godspeed You! Black Emperor, A Silver Mt Zion, Fly Pan Am). Ces groupes ont chacun à leur manière réinventé des façons d’approcher le rock. Ici avec Clues, leurs nouveaux protégés, aucune révolution n’est à déceler, ils n’officient dans aucune catégorie post-quelque chose. Et pourtant Clues est un excellent album d’indie rock concassé et accessible, où les références de spécialistes (post punk, no-wave, psychédélisme) sont finement injectées sans encombrement (contrairement au groupe Women, demandez à Emilien). Le rock est épique (Cave Mouth), les mélodies lyriques (Crows), les ballades cosmiques (In the Dream), et les chansons pop ont des airs de cabaret instable entre le joyeux et le dramatique (Perfect Fit). Un futur classique, assûrement.

DM Stith – Heavy Ghosts
Asthmatic Kitty Records
2 Mars 2009
3,5/5

Myspace

Le grand Sufjan Stevens nous dévoile un auteur quasiment sorti de nulle part, qui imprime sur ce premier album un univers musical déjà très personnel. Heavy Ghost est un album hanté par des choeurs fantomatiques et une voix entre l’angélisme de Robert Wyatt et les suppliques de Thom Yorke. Le talent du bonhomme est sidérant, vu l’épaisseur des compositions : arrangements électroniques artisanaux aux sons organiques, et instruments folk habilement menés (piano, guitares acoustiques, violons). Si l’atmosphère lugubre de toute la première partie demeure délicieusement hypnotique, cette musique unique devient moins fascinante, suivant les sensibilités, lorsque l’ambiance devient plus légère (comme sur Fire of Birds, qui fait très « hippies dansant joyeusement autour du feu »).

Peter Doherty – Grace/Wasterland
EMI
16 Mars 2009
2,5/5

Myspace

Pete Doherty aurait donc sous cette apparence de rocker débraillé et incontrôlable une âme de poète. C’est du moins ce qu’il essaie de faire croire, et je n’irais pas vérifier plus longtemps si c’est artificiel ou non. Tout ce que j’en déduis, c’est que son essai de folk poétique est immédiatement séduisant, bien qu’imparfait. Au contraire d’un album mainstream bondé de featurings opportunistes, on a plus affaire à une poignée de chansons légères et humbles, qui s’accomodent très bien au chant nonchalant de Doherty. A côté des morceaux accoustiques, ce sont celles, orchestrales qui convainquent le plus (les magnifiques 1939 Returning et A Little Death Around the Eyes). Et c’est là où l'on reste lucide en se disant que le rocker a heureusement su s’accompagner de bons producteurs (Graham Coxon de Blur et Stephen Street).

Charles Spearin – The Hapiness Project
Arts & Crafts
10 Février 2009
4/5

Myspace

Le Hapiness Project est construit à partir d’entrevues que Charles Spearin (de Do Make Say Think) a tenues auprès de ses voisins, sur le thème de la définition du bonheur. Il en utilisa ensuite des extraits pour construire de vrais morceaux. A partir des simples mélodies accidentelles créées par leurs voix, il y créa de fabuleuses compositions pop de chambres (avec un véritable groupe de jazz) rappelant le Bad Timing de Jim O’Rourke. Au-delà du simple aspect conceptuel et de la technique savante nécessaire pour arriver à un tel résultat, cette quête de la musicalité de la vie de tous les jours est extrêmement touchante.

The Snobs - Albatross
Autoproduit
26 Mars 2009
5/5

Myspace

Il serait irrespectueux d’y consacrer seulement quelques lignes. Mieux vaux ne rien dévoiler ici, c'est tout ou rien. Je vous laisse donc languir d’impatience encore un petit moment, car une chronique en bonne et due forme y sera évidemment consacrée. En attendant, vous pouvez le télécharger gratuitement ici.

Archive – Controlling Crowds
East West
30 Mars 2009
1,5/5

Myspace

Le groupe a été brillant, sur l’album de trip hop ténébreux Londinium (1996), catastrophique sur la pop FM de Take My Head (1999), et rassurant sur les quelques échappées psychédéliques de You All Look The Same To Me (2002) ou de Noise (2004). Mais là ce n’est plus possible. Avec l’arrivée depuis Lights (2006) de ce nouveau chanteur impersonnel, le groupe s’enfonce dans leur trip floydien de bas étage, plombé par une dimension conceptuelle pompeuse (l’album est divisé en trois « grands » mouvements). La noirceur recherchée n’a aucun effet, les essais hypnotiques ne fonctionnent pas. Un vrai groupe has-been (je déteste cette expression, mais ici je ne trouve rien de mieux) qui n’arrive pas à se renouveler.

El Grupo Nuevo de Omar Rodriguez Lopez - Cryptomnesia
Rodriguez Lopez Productions
5 Mai 2009
4/5

Myspace

El Grupo Nuevo est un supergroupe formé de membres de Mars Volta (guitare, chant, basse) et d’Hella (batterie, synth bass). Autant dire que pour les fans des deux groupes, pouvoir entendre le jeu minutieusement surpuissant de Zach Hill (un des meilleurs batteurs au monde, au passage), accompagner la guitare virtuose et dissonante d’Omar Rodriguez Lopez n’est pas une mince affaire. On est finalement assez loin des morceaux épiques à rallonges des Mars Volta. Ici tout y est concis, nerveux, aiguisé. Ces 35 minutes de décharges électriques vont droit au but, sans démonstration vaine. Le chant de Bixler Zavala flotte au dessus des acrobaties instrumentales du big band, avec des mélodies toujours impossibles et plus sobres qu’à l’accoutumée. Un grand vacarme rock qui m’impressionne par son jusqu’auboutisme extrême.

Dominique A – La Musique
Wagram Music
6 Avril 2009
4/5

Myspace

Accompagné sur ses précédents albums d’un groupe entier (sur L’horizon et pendant sa tournée cold wave, sacralisée par le merveilleux live Sur Nos forces Motrices), Dominique A revient à la composition en solo. Cela rappelle évidemment son premier album, La Fossette : chansons faussement minimalistes, boite à rythme omniprésente, quelques guitares et des claviers. Si le côté lo-fi faisait une des forces de La Fossette, la production moderne sublime ici les chansons de La Musique. Si elles s'inscrivent dans une certaine tradition de la chanson française (la voix surmixée, l'inspiration poétique, le romantisme), elles évitent tous les clichés (dont la dérive variété). Dominique A, situé bien au dessus de ses pairs en termes d'inspiration, a trouvé l’équilibre parfait, entre des chansons confortables mais jamais monotones (touché par la grâce sur Dans l’Air ou Jsuis Fatigué), et d’autres plus radicales, d'inspiration anglosaxonne (les robotiques La Verité et Je Suis Parti Avec Toi, remplis de stridences électriques). La Matière, deuxième disque qui vient compléter l'édition collector, est encore plus passionnant que le premier, et fait de La Musique une vraie mine d’or.

François.

[Tourne Disque] : Animal Collective - Merriweather Post Pavilion

2009-03-17T23:09:00.014+01:00

Label : Domino
Sortie : 6 Janvier 2009
5/5

Un huitième album en 9 ans, une popularité croissante, un son toujours unique, et ils arrivent de nouveau à nous prendre par surprise. Quittés momentanément par le 4^ème membre et guitariste du groupe depuis 2007, les trois (Panda Bear, Avey Tear et Geologist) doivent techniquement s’adapter en délaissant les instruments pour avoir recours aux machines. Résultat : un ballet pop onirique (selon les propres mots d’Avey Tare), une ode aux harmonies multiples et aux chœurs en canons, un grand voyage étoilé. Ils inventent en un sens une nouvelle manière d’utiliser les machines, comme s’ils faisaient table rase de tout ce qu’il s’est déjà fait en matière d’électronique. Chaque morceau semble être une partie vitale de ce long corps animé de 54 minutes ; beats désarticulés, boucles abyssales, environnement sonore organique (vent, eau, brouhaha, onomatopées lointaines). Au dessus de ce monde électronique bien vivant, Merriweather Post Pavilion fait surtout la part belle aux chants d’Avey Tare et de Panda Bear, plus que jamais proches de l’extase harmonique. En se partageant pour la première fois l’écriture de l’intégralité du disque, ils apportent ce qui manquait auparavant au sein de toutes ces mélodies majeures emphatiques : une vraie mélancolie rêveuse (les superbes Also Frightened, Bluish, et No More Runnin). La musique du groupe ne brille pas seulement par son aspect hors-normes, mais par sa (relative) accessibilité malgré tout ce flot de bizarreries denses et complexes. Car au lieu de parler d’avant-garde ou d’œuvre visionnaire (c’est pourtant bien de cela auquel on a affaire), il faut surtout se rendre à une évidence plus essentielle : Merriweather Post Pavilion est un immense album pop.

François.

http://www.myspace.com/animalcollectivetheband
Extrait vidéo de l'album:
My Girls, la pop des années 3000

[Tourne Disque] : The Dead Science - Villainaire

2009-01-04T15:05:00.017+01:00

Label: Constellation Records
Sortie: 2 Septembre 2008
4/5

Le label Constellation a été très présent en 2008. On en a beaucoup parlé, mais sûrement pas assez, car à lui seul, ce label Montréalais couvre une scène Art Rock facilement comparable à la scène allemande Krautrock des années 70 (exigence artistique, expérimentations, interdépendances entre les groupes). 10 ans après avoir lancé le groupe mythique Godspeed You !Black Emperor, l’actualité du label Montréalais a été plus que jamais animée. En plus d’avoir sorti un chef d’œuvre injustement boudé par la presse (13 Blues For Thirteen Moon d’A Silver Mount Zion) et un disque fort (Hello, Voyager d’Evangelista), Constellation souhaite se renouveller en s’ouvrant à des sentiers rock plus porteurs que d’habitude, avec Tindersticks, prochainement Clues en 2009 (avec un ex-membre d’Arcade Fire, morceau formidable à écouter ici), et l'album des Dead Science, sorti en septembre dernier (il n'est pas trop tard pour en parler).

Le rock théâtral de Villainaire déroutera forcément les habitués du label : des morceaux concis, un chant émodramatique très marqué et au centre des compositions, et, plus étonnant encore, un vrai solo de guitare (Wife You). Le principal obstacle à l’appréciation de la musique des Dead Science peut se révéler être le chant. Si l’on se bloque sur les trémolos à rallonge du vocaliste Sam Mickens, on s’installe automatiquement des œillères, empêchant alors d’apprécier les mille richesses noires qui jalonnent Villainaire. En considérant cela comme un parti pris artistique assumé participant à l’identité très personnelle du groupe, on s’ouvre à un univers menaçant et passionnant, où les morceaux prennent toujours une tournure accidentelle imprévisible, entre furie et douceur vénéneuse. Avec une section rythmique frénétique, des riffs cassés et des orchestrations brillantes, les Dead Science ajoutent au répertoire de Constellation un disque épique et subtil (les deux ne sont pas incompatibles), qui fourmille de détails et de mélodies vibrantes.

François.

http://www.myspace.com/thedeadscience
Extrait vidéo de l'album:
The Dead Science - Make Mine Marvel

[Le billboard du Mange Disque] : Bilans 2008

2008-12-28T23:17:00.006+01:00

Les meilleurs albums

Emilien
1 A Silver Mt. Zion - 13 Moons For Thirteen Moons
Jamais ASMZ n'avait atteint un tel niveau d'intensité et de tension que dans cet album sec et désespéré, dans lequel chaque morceau est un hurlement d'une beauté incroyable. L'un des albums les plus touchants et puissants jamais fait. Les gens qui n'ont pas de frissons en écoutant Blindblindblind ont un coeur de pierre.

2 Final Fantasy - Spectrum, 14th Century/Plays To Please
C'est peut être un peu facile de regrouper deux e.p., mais ils sont tout les deux indispensables. On se demandait où Owen Pallett pouvait aller après le parfait He Poos Clouds, sommet de "pop de chambre" folle. Maintenant, on sait : encore plus loin.

3 Department of Eagles - In Ear Park
Avec presque rien et l'air de ne pas y toucher, le duo Department Of Eagles a sorti un album absolument magnifique. Compositions qui flottent dans l'air, baignées dans des arrangements d'une beauté inouïe. Voilà des gens qui ont compris ce qu'il fallait retenir des années 60 sans y rester. Lumineux.

4 Cheap Time - Cheap Time
Un groupe qui a parfaitement pigé la notion même de Rock & Roll. En 14 titres balancés nonchalamment et à toute allure, ils sortent l'album le plus jouissif de l'année. Le plus stupide aussi. Mais franchement, on s'en fout, c'est tellement parfait.

5 Parenthetical Girls - Parenthetical Girls
Peut être la surprise de l'année : voilà un groupe electro-folk-bizarre qui décide de se prendre pour Van Dyke Parks dans un album rempli de fougue et de violons délicieux, porté par un chant sensible et des morceaux mélodramatiques. Mine de rien, on a pas entendu de pop orchestrale aussi géniale depuis longtemps.

6 The Breeders - Mountain Battles
Album totalement à coté de la plaque, sorti d'une espèce de non-époque qui pourrait être les 60's comme 2042, Mountain Battles est un petit chef d'oeuvre bordelique et sobre qui nous rappelle que les soeurs Deal sont toujours capables de faire des morceaux tellement décalés qu'ils en deviennent les plus cools.

7 My Feet in The Air - Hoshi Mushi
Chaque année, des tas de gens nuls essayent de faire de la folk lo-fi mignonne et échouent. My Feet In The Air essaye ici pour la deuxième fois dans ce trop court e.p., et y arrive encore avec brio. Avec presque rien, tout un univers tient debout. Une perle.

8 Stephen Malkmus & The Jicks - Real Emotional Trash
Hé, Stephen Malkmus, t'es cool, et ton groupe aussi, et vous balancez les gros solos, et vous coupez pas les jams, et ça tape dur, et ça envoie méchamment, et puis soudain, paf, ça devient pop avec des choeurs pas possibles et on se dit "Hé, Stephen Malkmus, t'es cool, et ton groupe aussi, et..." (etc.)

9 Love Is All - A Hundred Things Keep Me Up All Night
Le rock indépendant? Non, c'est pas le reggae des "vampires du weekend", ou la pop façon méthode assimil de MGMT. Non, ce serait plutôt le crossover entre la pop moderne, le mur du son de phil spector et le post-punk-disco (sic) que Love is All continue a faire dans son deuxième album.

10 The Dutchess & The Duke - She's The Dutchess, He's The Duke
Il y a des passéistes absolument insupportables qui pompent les Beatles pompiers et qui nous font croire que c'est leur "grand retour". Y'a des types bloqués en 1966 comme The Dutchess & The Duke qui sortent d'excellents albums folk remplis de morceaux entêtants. Deux écoles.

Christopher
1 Man Man – Rabbits Habits
Du plaisir en boîte. Une ambiance de vieux tripot où les images se bousculent. Parfait de bout en bout.

2 The Mars Volta- The Bedlam in Goliath
C'est virulent, pétaradé, ça part en trombes !!

3 A Silver Mt. Zion – 13 Blues for Thirteen Moons
Cet album aurait pu aisément trôner en première place. On ne peut rien en dire, juste apprécier. On part dans l'iréel, l'intense, ça touche pile et droit au coeur.

4 Pas Chic Chic – Au contraire
Plus grande surprise de l'année. Originalité à toute épreuve, qualité incontestable, vivement la suite !

5 The Last Shadow Puppets- The Age Of Understatement
Une écriture incroyable, des orchestration dantesques. Des airs de vieux Westerns sous une pluie Londonienne. Illogique mais c'est ce que dégage ce magnifique album.

6 Phoebe Killdeer – Weather’s Coming
Une espèce de folk cabaret à écouter en boucle.

7 Guapo - Elixirs
Indescriptible.

8 Department Of Eagles – In Ear Park
Jamais ne remercierai assez Emilien pour cette découverte. On en aurait des envies de se mettre à la guitare et de monter un groupe.

9 Akoya Afrobeat – P.D.P
Album passé totalement inaperçu. De l'Afrobeat faite par des mecs venant du Nouveau Mexique, du Japon, de Taïwan...Sur 13 membres seulement 3 sont noirs, cherchez l'erreur...

10 Zach Hill - Astrological Straits
Un gros morceau que cet Astrological Straits. Son entrée dans mon top était compromise mais l'apocalyptique Necromancer ne pouvait le laisser hors de ma liste.

François
1 Portishead - Third
Une beauté noire intemporelle et bouleversante.

2 Man Man - Rabbit Habits
Nos boute-en-train les plus originaux et drôles de l'année.

3 The Last Shadow Puppets - The Age of the Understatement
Le romantisme des années 60 croisé avec le western spaghetti de Sergio Leone venant d'un Arctic Monkeys : pas un miracle, une révélation.

4 The Mars Volta - The Bedlam in Goliath
Une décharge d'énergie à la limite de l'acceptable, 100 idées à la minute, un excès d’aigus, toujours trop de notes : ils explosent les barrières du raisonnable.

5 Pas Chic Chic - Au Contraire
Une pop rétrofuturiste francophone : si si, ça existe (et l’album est enfin distribué en France à partir du 19 janvier 2009 par Differ-Ant).

6 Snowman - The Horse, the Rat and the Swan
Un son inclassable qui rend noble le rock dit « gothique ».

7 A Silver Mount Zion - 13 Blues for Thirteen Moons
Épique, généreux, humain.

8 Fuck Buttons - Street Horrrsing
Un des rares groupes sachant combiner bruit et volupté mélodieuse, entre Pink Floyd et Merzbow.

9 Marnie Stern - This Is It and I Am It and You Are It and So Is That and He Is It and She Is It and It Is It and That Is That
Une autodidacte et virtuose de la guitare pour une pop mathématique décomplexée.

10 Deerhoof - Offend Maggie
La musique déglinguée de Deerhoof n’aura jamais été aussi bien cadrée et profonde, et contre toute attente cela leur réussi finalement beaucoup.

Les pires albums

Emilien
1 Of Montreal - Skeletal Lamping
Je n'ai aucune envie de parler de cette merde plus que je ne l'ai déjà fait.

2 Mogwai - The Hawk is Howling
N'empêche, c'est en disant du mal de ce groupe pleurnichard qu'est Mogwai que j'ai eu le plus de commentaire sur une chronique. C'est aussi désespérant que le fait que ce groupe n'a pas encore splitté.

3 Women - Women
Je met cet album dans le top of the worst, mais avec lui, je vise aussi tout les sous-doués qui s'imaginent qu'il faut juste empiler des gimmicks vachement bizarres pour faire du rock un peu expérimental, alors que le tout sonne comme du sous-Deerhunter, qui sonne comme du sous-Liars, etc.

4 The Dead Science - Villainaire
Malgré ce qu'en dit François, Villainaire est un album proprement insupportable, qui en fait trop dans le trémolo outré et la musique terrifiée. Et c'est pas parce que le bassiste a aidé à faire l'album des Parenthetical Girls que je vais être gentil. Encore moins même, parce que ça prouve qu'ils sont pas idiots en plus!

5 Cat Power - Jukebox/Dark End Of A Street
Ah! Chan Marshall! Souviens toi! 2003! You Are Free! Immense monolithe de tristesse dépouillée! Depuis, tu t'es transformée en sous-chanteuse de soul qui couine sur des reprises paresseuses aux instrumentations façon ascenseur. Ce n'est pas grave. Je ne te blâme pas.

Christopher
1 Sébastien Tellier – Sexuality

Une demi-douzaine d'écoutes n'y feront rien cet album reste pour moi la plus grosse blague de l'année. Plat, arrogant, maladroit, chiant. Un dessous de verre tout au plus.

2 Bloc Party – Intimacy

Ce qui est bien avec les blagues c'est que ça se refile souvent entre potes. Apparemment Tellier a un peu trop traîné avec eux...

3 Foals - Antidotes

Entre mauvaise copie d'un Battles à la sauce glandu et tentative de faire quelque chose d'original en faisant croire que ça l'est mon coeur a balancé pour finir par vomir.

4 The Vines – Melodia

Enorme déception. On les attendait là où ils ne sont pas venus. On espérait qu'ils arriveraient à se renouveler. Triste à dire, et j'espère me tromper, les bonnes choses ont une fin.

5 Lenny Kravitz- It’s Time for a love Revolution

si javé u 13 an joré just di : LOL !

François
1 Guns N' Roses - Chinese Democracy
17 ans de gestations pour une bouillie de rock de stade: ça valait le coup d'attendre.

2 Bloc Party - Intimacy
Ce n'est pas bien de tromper les gens.

3 Mogwai - The Hawk Is Howling
Euh, c'est bizarre je suis persuadé d'avoir déjà entendu ça il y a 10 ans.

4 Pivot - O Soundtrack My Heart
On peut ne peux pas leur en vouloir d'avoir essayé, par contre il est nécessaire de les oublier.

5 Lenny Kravitz - It Is Time for a Love Revolution
Mais pourquoi?

Les meilleurs morceaux

Emilien (en vrac et sur des albums qui ne sont pas dans mon top)
Transformer - Marnie Stern
Tapping, voix aiguë crispante, batterie jouée par Zach Hill. Tout pour donner la nausée. Et pourtant, c'est jouissif, épique, bordelique, bref absolument brillant. Une grande chevauchée pop que rien n'arrête. Marnie, t'es la meilleure.

Dark Art - Zach Hill
Son album était plus indigeste que ce qui m'attend pour Noël, surtout dans son grand disque bonus "Nectromancer", gros jam onaniste de 33 minutes, mais au milieu de tout ça, il y a Dark Art, seul morceau réussi, et réussi avec un brio pas possible. Zach Hill, arrête de faire n'importe quoi et fait des refrains aussi parfait que celui là, pour qu'on chante avec toi "We didn't know what we thought we know! oh oooh ooooh! ahhhhhhhh"

Fresh Born - Deerhoof
Quoi? Moi, le fan ultime de Deerhoof, j'ai pas parlé de Offend Maggie? Oui, parce que l'album m'a un peu déçu et que je ne me voyais pas dire du mal de Deerhoof. Par contre, ça n'a pas empêché le groupe de sortir des morceaux parfaits comme ce Fresh Born.

Handy Man - Cheap Time
Hé, le tube ultime de rock de la décennie, c'est ce morceau là, je le dis comme ça en passant, histoire de.

Acid Mothers Temple & The Melting Paraiso U.F.O. - Planet Billions Of Light-Years Away/Circular System 7777777/Milky Way Star
Un riff de 6 notes : quasiment une heure de trip cosmique et de jams qui passent du disco au rock des étoiles. Jamais AMT n'a été un groupe aussi brillant. La, mi, ré, la, sol, do# (ad lib).

Christopher
1 Blindblindblind - A Silver Mt. Zion

C'est le genre de choses qu'on ne consomme qu'une fois, qu'on ne veut altérer. On les écoute comme une récompense. Pour moi ça a été la plus belle de l'année.

2 Sexual Eruption - Snoop Dogg
C'est avec le clip que ce morceau prend toute son ampleur. Comme je l'ai dit de façon aveuglée à François : "c'est le morceau le plus ouf de ces 5 dernières années mec". Pour moi Snoop a tout compris. Les 4 premières notes de synthé l'illustrent bien: dix ans de musique condensées en quelques secondes. Dommage que le reste de l'album soit poussif.

3 Ouroboros - The Mars Volta

C'est ce que l'on nomme vulgairement par l'expression : " une tuerie !"

4 Gobbledigook - Sigur Rós
Il y a quelque chose de physique dans cette chanson. Le rythme a des airs de battement de coeur, le chant des couleurs angéliques; le tout dans une espèce de cacophonie quasi organique. C'est vicéral ça vous prend aux tripes. Un grand regrêt: c'est le seul titre vraiment valable de l'album pour moi.

5 Crash-Pad Driver - Poni Hoax
On y verrait Joy Division réscussité.

François
1 Halfway Home - TV On The Radio
Une ouverture d’album tétanisante, faite de voix en onomatopées, d’un horizon de guitares froides et d'une avalanche de percussions brillantes.

2 A Song For Ellie Greenwich - Parenthetical Girls
Un modèle d’élégance hypnotique.

3 Boom! (Money) - Skeletons
Une sorte de transfiguration du National Anthem de Radiohead sur 11 minutes : cacophonie free jazz, guitares cisaillées et chant mélodramatique subtil.

4 Witch - Maps & Atlases
Les dignes voyageurs évoluant sur la voie toute tracée par Battles (dans un registre plus pop) se retrouvent peut être enfin là.

5 Necromancer - Zach Hill
30 minutes d’improvisation piano/batterie avec un Zach Hill au maximum de sa folie.

Les meilleurs concerts

Emilien
1 Otomo Yoshihide @ Maison de la Culture du Japon, Paris, 27 septembre
Trio guitare-contrebasse-batterie avec le génie de l'expérimental japonais, et paf, ça donne un live improvisé de 1h40 brillant et bruyant, qui croise le free-jazz et le noise-rock sans jamais perdre de vue les mélodies. Un exemple.

2 Acid Mothers Temple & The Melting Paraiso U.F.O. @ St Ouen, 19 novembre
L'expérience Acid Mothers Temple se vit en live. Or, on a peut être jamais vécu un trip ultime avec un groupe de rock avant de connaitre Acid Mothers Temple. Donc, voir Acid Mothers Temple en live est une obligation, un devoir, un pillier du rock, le truc à faire avant de mourir. Moi je l'ai fait. C'était ultime.

3 Lightning Bolt @ Maison de la Vilette, Paris, 29 novembre
Quand on réussi, comme moi, à être assis au premier rang à un concert de Lightning Bolt, sans être donc continuellement noyé dans la fosse, je vous le dit, on se rend compte que nous avons là deux très grands musiciens. Les nouveaux morceaux promettent un album dévastateur, aussi dévastateur que la version de Dracula Mountain qu'ils nous ont fait vivre dans nos tripes.

4 Parenthetical Girls + Deerhoof @Trabendo, Paris, 19 décembre
Une fameuse soirée. En dehors des groupes ultra nuls qui les accompagnait (je pense à Stanley Kubi), ces deux groupes ont été épatants. Révélation pour les premiers. Immense confirmation de la puissance live du groupe pour les seconds. Je n'ai jamais vu une heure de concert passer aussi vite qu'avec Deerhoof. Meilleur groupe.

5 A Silver Mt. Zion @ Bataclan, Paris, 11 novembre
En formation de combat, obligés de se dépasser pour pallier l'absence de deux membres du groupe, le groupe a donné un concert brillant, qui faisait honneur à leur merveilleux album. Le tout accompagné d'un Efrim qui a sorti quelques unes des blagues les plus drôles que j'ai entendues en live.

Christopher
1 Magma @ Théâtre Alexandre Dumas, Saint Germain En Laye, 5 avril
Ne dirais-je jamais assez que c'est le meilleur groupe de tous les temps ? Malgré un changement d'équipe Magma est toujours là; puissance, intensité, vivacité, maitrîse. Zheul !

2 The Mars Volta @ Olympia, Paris, 5 mars
Un concert fleuve. Jouissif tant sur le plan auditif que visuel. On en sort épuisé mais terriblement heureux !

François
1 Magma @ Théâtre Alexandre Dumas, Saint Germain En Laye, 5 avril
Trois départs précipités, un nouveau chanteur et un nouveau claviériste impressionnant (qui a appris le répertoire entier du groupe en quelques semaines) : Magma redouble de puissance.

2 The Mars Volta @ Olympia, Paris, 5 mars
3h non-stop d’intensité électrique.

3 Radiohead @ Bercy, Paris, 9 juin
Même si de gigantesques salles de concerts comme Bercy ne conviennent évidemment pas à la musique du groupe cérébral le plus populaire, ils arrivent par magie à nous le faire oublier.

4 The Snobs @ Courances, 23 mai
Idée géniale : jouer en live la musique de leurs courts métrages foutraques projetés devant le public.

5 Animal Collective @ L'Alhambra, Paris, 24 mai
Des voix lumineuses hallucinées sur de l’électronique artisanale : nul besoin de substances pour partir loin.

Les artistes du passé découverts cette année
(car ne l'oublions pas, "c'était mieux avant!")

Emilien
1 Daniel Johnston
Musicien de génie aux chansons brutes, il a sorti dans les années 80 une série de cassettes ultra lo-fi enregistrée avec presque rien qui sont des modèles de songwriting à fleur de peau. Son album "1990" sur lequel participent des membres de Sonic Youth est un chef d'oeuvre de tristesse profonde, composé par un type malade (bipolaire), obsédé par le diable et les Beatles, qui allait commencer une longue période en asile psychiatrique. Il tourne encore (il était à Paris en octobre, dans un live un peu chaotique mais génial), compose encore malgré tout. Un héros.

2 Pavement
Longtemps, Pavement a été trop cool pour moi, trop branleur, trop américain, trop fou, trop tout. Et puis un jour, j'ai compris. J'ai écouté Stereo, et j'ai parfaitement pigé pourquoi on dit autant de bien de ce groupe. Finalement, il faut croire la légende, le meilleur groupe de rock américain des 90's, c'est Pavement, tout simplement. Ecoutez Brighten The Corners ou Wowee Zowee, vous comprendrez. Enfin, plus rapidement que moi j'espère.

3 Tom Waits
Je suis longtemps passé à coté de Tom Waits. Un jour, j'ai écouté Small Change. Je me suis immédiatement rendu compte que je tenais là l'un des albums les plus beaux que je n'avais jamais entendu. C'est aussi simple que ça. La voix de Tom Waits est une bête blessée qui donnerait des frissons à une pierre.

4 Ground-Zero
Fondé par Otomo Yoshihide, ce génie, Ground-Zero était le fer de lance de la scène expérimentale japonais dans les années 90. A coté d'albums foutraques qui melaient noise rock, jazz hardcore et samples, le groupe a sorti deux chefs d'oeuvre qui méritent une écoute de la part de n'importe qui : Consume Red, grand Boléro hardcore de 57 minutes basé sur un seul sample de flute qui est une expérience de violence sonore monstrueuse. Et Revolutionnary Pekinese Opera, grand capharnaüm de samples et de bruits divers qui tient miraculeusement débout : peut être l'un des meilleurs albums expérimentaux jamais fait.

5 Randy Newman
Ce que je vous propose de faire, c'est d'écouter son album Sail Away et de se rendre compte que, dans les années 70, c'était un songwriter absolument immense, à la fois ironique, très très féroce parfois, mais qui pouvait sortir quelques ballades à pleurer. Randy Newman! Le mec de Toy Story ouais!

Christopher
1 Charles Mingus - The Black Saint And The Sinner Lady, 1963
Artiste cité dans toutes les anthologies du jazz mais inconnu pour moi. J'aurais juré qu'il était saxophoniste, il s'avère être bassiste. Album phare de l'artiste, The Black And The Sinner Lady est un incroyable tableau cinématographique où les ambiances sombres et tortueuses s'entremellent, basculant entre plusieurs époques, plusieurs continents.

2 Miriam Makeba – Miriam Makeba, 1960
J'avais toujours entendu parlé de la "Mama Africa" mais jamais je n'eu envie de me pencher dessus. C'est une réelle claque que j'ai pris. Une époque, une culture, un art; résumés dans 35 minutes de voyage.

3 Milton Nascimento – Milton, 1976
Découvert par l'album Courage, Milton surprend encore par sa voix, linéaire, monotone. Album avec des sonorités plus latines que Courage, et tout aussi agréable.

4 Millie Jackson – Caught Up, 1974
Sublissime soul épique

5 Frank Zappa - Absolutely Free, 1967 (et tout le reste).
La réelle découverte de cette année pour moi. Un bon mois à tenter de faire le tour de toute sa discothèque. Avec une cinquantaine d'albums à voir l'opération était quasi impossible. Zappa surprend par son originalité, son humour et sa virtuosité.

6 Machito – Kenya, 1957
Un jazz d'orchestre aux sonorités cubaines et africaines. Une ambiance de vieux club des années 20 : parfait !

7 Albert Ayler Trio - Spiritual Unity, 1964
Un des saxophonistes les plus surpennants que j'ai écoutés. Du vrai Jazz Modal. On y verrait Coltrane dans ses moments les plus torturés.

8 Sly & the Family stone – A Whole New Thing, 1967
Rencontre de la pop, du funk et du rock. Terriblement dansant.

9 Stevie Wonder – Innervisions, 1973
Je le conaissais par son Song In The Key Of Life, oeuvre démesurée par sa longueur, sa technicité et son originalité. Une boîte à tubes. Innervisions confirme quelques années plus tôt que Wonder aura marqué, si ce n'est tout, une très grosse partie de toute la musique R'n'B actuelle.

10 Leon Ware – Musical Massage, 1975
Aurais-je le culot d'affirmer que Marvin Gaye à complètement pillé dans son I Want You le Musical Massage de Leon Ware ? Oeuvre indispensable !

François
1 Brian Eno - Here Come The Warm Jets, 1973; Taking Tiger Mountain, 1974
Avant de s’attarder sur l’ambiant, il faut savoir que Brian Eno était avant tout un génie pop, créateur de deux albums visionnaire et jouissifs.

2 Leonard Cohen - Songs of Leonard Cohen, 1967; Songs of Love and Hate, 1971
Pure poésie plaintive.

3 Van Dyke Parks - Songs Cycle, 1968
Ce pourrait être la BO du Disney le plus psychédélique et dérangé qui soit.

4 The Slits - Cut, 1979
4 filles complètement déconnectées des conventions et sous LSD qui emmènent le reggae vers le post punk et la pop.

5 Boredoms - Super æ, 1998; Vision Creation Newsun, 1999
La transe japonaise au plus haut point.

6 Jim O'Rourke - Bad Timing, 1997; Halfway to a Threeway, 1999
Réduire ces albums à du John Fahey orchestrale et moderne serait grossier.

7 Tim Buckley - Discographie de 1966 à 1970
Une évolution passionnante, de la folk/pop des premiers albums à l’avant-garde chamanique de Lorca et de Starsailor, portée par cette voix chaude aux richesses infinies.

8 John Fahey - Fare Forward Voyagers, 1973
Deux mains et 5 cordes pour de sublimes paysages instrumentaux de 20 minutes.

9 Jesus Lizard - Goat, 1991; Liar, 1992
Difficile de trouver rock plus brutal.

10 Glenn Branca - The Ascension, 1981
Des murs de guitares dissonantes orchestrées sur une batterie martiale : la musique classique du rock.

Les plus grandes attentes pour l'année 2009

Emilien
1 Final Fantasy - Heartland
Je demande l'album le plus classe de la décennie, sinon rien.

2 Un nouveau jim o'rourke?
Hé, il parait qu'il est au travail et que c'était presque fini! En cet été, au Japon, il a rejoué des morceaux de ses albums pop (Insignificance ou Eureka)! Ce serait bien! Un album pop! Comme avant! Jim! Penses y!

3 Le nouveau Sonic Youth
Thurston moore a dit qu'il sortirait au printemps. Je serais pas contre un petit chef d'oeuvre.

J'écouterais aussi avec attention les nouveaux Animal Collective, Franz Ferdinand, Asobi Seksu. Et, évidemment, on pourra compter sur les gens qui sortent des tas d'albums tout les ans, comme Acid Mothers Temple (4 albums cette année), Jandek (5) ou Merzbow (7 en solo, sans compter les collaborations).

Christopher
1 Magma - Ementhet-Ré, 2009
2 Animal Collective - Merriweather Post Pavilion, 12 janvier

3 Michael Jackson - Grosse Rumeur, début 2009

François
1 Animal Collective - Merriweather Post Pavilion, 12 janvier
2 Franz Ferdinand - Tonight: Franz Ferdinand, 24 janvier
3 Beirut - March Of The Zapotech / Holland EP, 17 février
Et pour les sorties floues sans date officielle : Magma, Sonic Youth, Final Fantasy et The Mars Volta.

[Tourne Disque] : Stereolab - Chemical Chords

2008-12-21T15:34:00.012+01:00

Label: Duophonic / 4AD
Sortie: 18 Aout 2008
4/5

Il est difficile de comprendre le peu de reconnaissance accordé hors des milieux underground à Stereolab, groupe anglais de pop motorik puisant savamment dans le krautrock et la pop sixities. Menée par le compositeur Tim Gane et la chanteuse Laetitia Sadier (aux textes aussi bien en français qu’en anglais), leur musique voluptueuse, raffinée et expérimentale, s’étale déjà sur une discographie évolutive de 9 albums dont 3 chefs d’œuvre (Transient Random-Noise Bursts With Announcements, Emperor Tomato Ketchup et Sound-Dust). Incompréhensible. Et ce Chemical Chords est une petite merveille. La production un peu bubble-gum de l'album précédent est délaissée, pour revenir aux fondamentaux avec des morceaux qui gagnent en concision et en simple beauté formelle.

C’est une des plus belles propositions pop que j’ai pu entendre cette année, faite par un groupe doué et humble, qui mériterait sa place dans le rang des groupes unanimement respectés à côté de Radiohead ou de Portishead. Les morceaux doucement psychédéliques s’accompagnent toujours d’un groove génial, de petites ritournelles électroniques et du chant élégant (trop souvent jugé de froid) et unique de Laetitia Sadier. Avec la contribution de Sean O’Hagan des High Llamas, les lignes multicolores et gracieuses des compositions se densifient avec de sublimes orchestrations romantiques. Seul Stereolab sait nous projeter dans l'époque bénie de la pop des années 60 avec invention et modernité.

François

Extrait vidéo de l'album:
Stereolab - Neon Beanbag

[Le billboard du Mange Disque] Albums 2008 : le Top des Blogs

2008-12-17T00:00:00.090+01:00

15 blogs, un classement de 20 albums par blog, 195 disques cités, quelques débats, et un article unique posté par tout le monde le même jour à la même heure... Nous sommes fiers de vous présenter le classement des meilleurs albums de 2008 vu par 15 blogs musicaux francophones.

L'idée était, non seulement, de confronter les points de vue de bloggers tous spécialisés dans la musique via des approches bien différentes (chroniques de disque, actualité, photos, interviews ou encore billets d'humeurs), mais aussi de réaliser un projet fédérateur afin de mettre en avant les interactions qui existent de plus en plus entre nous. Il en résulte une sélection de 15 disques. Certains sont une surprise, d’autres étaient plus qu’attendus, mais tous ont mérité leur place ici.

C'est la première fois que nous nous lançons dans une telle démarche. Comme tout classement, le nôtre est probablement imparfait et relève d'un consensus entre personnalités ayant des goûts très différents, mais comme les articles que nous postons chaque jour, il a été réalisé avec passion et honnêteté, sans jamais se prendre trop au sérieux. De par les différents bloggeurs qui l'ont composé, nous espérons qu'il aura du sens à vos yeux et qu'il vous permettra de refaire quelques découvertes. En espérant pouvoir remettre ça en 2009.

- Les 15 Blogs qui ont participé au projet -

Blog Culturel
Dans mon Mange Disque
Des Oreilles Dans Babylone
Force Critique
I left without my hat
J'écoute de la musique de merde
Good Karma
Le Choix de Mlle Eddie
Le Hiboo
Let's Be Critical
L'Oreille en Feu
Parlhot
Playlist Society
Pop Revue Express
The Man of Rennes

- Le Top des Blogs 2008 -

01) PORTISHEAD - Third

02) ALAIN BASHUNG - Bleu Pétrole

03) TV ON THE RADIO - Dear Science

04) MGMT - Oracular Spectacular

05) SIGUR ROS - Med sud i eyrum vid spilum endalaust

06) SHEARWATER - Rook

07) PONI HOAX - Images of Sigrid

08) BLACK MOUNTAIN - In the Future

09) DEPARTMENT OF EAGLES - In Ear Park

10) THE LAST SHADOW PUPPETS - The Age of Understatement

11) SANTOGOLD - Santogold

12) FOALS - Antidotes

13) THE MARS VOLTA - The Bedlam In Goliath

14) MAN MAN - Rabbit Habits

15) THE WALKMEN - You & Me

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- Les 20 meilleurs disques retenus par le Mange Disque -

1) A Silver Mt. Zion - 13 Blues for Thirteen Moons
2) Man Man - Rabbit Habits
3) The Mars Volta - The Bedlam in Goliath
4) Pas Chic Chic - Au Contraire
5) The Last Shadow Puppets - The Age of the Understatement
6) Department Of Eagles - In Ear Park
7) Marnie Stern - This Is It and I Am It and You Are It and So Is That...
8) Portishead - Third
9) Stephen Malkmus - Real Emotional Trash
10) Zach Hill - Astrological Straits
11) Final Fantasy - Spectrum, 14th Century
12) Cheap Time - Cheap Time
13) The Breeders - Mountain Battles
14) Snowman - The Horse, the Rat and the Swan
15) Phoebe Killdeer - Weater's Coming
16) Guapo - Elixirs
17) Fujiya & Miyagi - Lightbulbs
18) Love Is All - A Hundred Things Keep Me Up At Night
19) Fuck Buttons - Street Horrrsing
20) Sonic Youth - SYR 7

[Tourne Disque] : Parenthetical Girls - Entanglements

2008-12-14T19:00:00.006+01:00

Label : Slender Means Society
Sortie : 9 Septembre 2008
4,5/5

C'était presque le rêve de Zac Pennington, chanteur et tête pensante du projet Parenthetical Girls. Après un premier album co-produit par le leader de Xiu Xiu, et très proche d'ailleurs de la scène électro-folk à fleur de peau de ce groupe, il a eu l'idée, en 2005, d'un album bien plus ambitieux, un véritable "Song Cycle", cela dans les deux sens du terme. D'un coté, se placer dans la lignée de pop orchestrale de l'album du même nom de Van Dyke Parks (qui le groupe a t-il mis dans une mixtape pour décrire les influences de l'album? Parks, voilà qui, je ne suis pas qu'un monomaniaque qui veut placer le nom de son chouchou partout). De l'autre, de réaliser tout simplement un "cycle" de chansons qui raconteraient une véritable histoire en formant un grand tout. Mais un projet pareil demande de l'argent et une certaine science de l'arrangement, ce que cet autodidacte n'avait pas. Préférant laisser tout cela de coté en attendant, le groupe a sorti entre temps en 2006 un album plus proche du premier, un peu lo-fi, un peu électro, un peu folk, nommé Safe As Houses. A l'issue de la sortie de cet album, couronnée de critiques très positives, le groupe a été rejoint par différents multi-instrumentistes et s'est alors à nouveau penché sur ce projet. Finalement, avec l'aide de Jherek Bischoff (du groupe The Dead Science), au bout de 3 ans de travail et de sessions avec des tas de musiciens, Entanglements était terminé. Un album ambitieux mais très éloigné du son habituel du groupe, que ce soit sur les précédents albums ou même encore aujourd'hui en live, ce qui désappointa certains fans obtus, ainsi que certains critiques qui passèrent rapidement à autre chose, parfois en se moquant de ces post-ado écorchés qui s'étaient poudrés de trompettes.

Erreur monumentale, Entanglements est un outsider démentiel qui mérite qu'on s'intéresse à lui, et vite, tant il est l'un des albums les plus beaux et les plus réussis de notre année finissante. Au niveau de la forme, sa très grande force, c'est la puissance de ses compositions appuyées par les arrangements denses mais délicats qui les magnifient. Dès le premier morceau, Four Words, on est emporté dans un tourbillon d'instruments lancés à toute vitesse. Les violons s'envolent, des vibraphones résonnent, le piano martèle des accords majestueux, une harpe égrène quelques notes venues du ciel, des petites flûtes naviguent dans l'harmonie, des castagnettes claquent, tout cela explose dans un carnaval de lumière à l'efficacité redoutable, même dans les territoires dangereux et parfois effleurés de la dissonance. Tout l'album se place dans cette beauté là, surannée mais distinguée, semblant venir parfois de la musique classique dans la forme, mais sans jamais perdre de vue l'aspect terriblement pop que peut prendre un orchestre, si tant est qu'on sache l'utiliser. Ce n'est sans doute pas un hasard si le groupe reprend le magnifique et déprimé Windmills Of Your Mind, morceau popularisé par Dusty Springfield aux USA mais co-composé à la base par le géant Michel Legrand (oui, le monsieur des Demoiselles de Rochefort, entre autres), qui était lui aussi un maître du refrain parfait baigné dans des instrumentations sophistiquées. On en vient même à penser à des compositeurs contemporains comme Gavin Bryars au début du morceau-titre, avec ses couches de cordes habilement composés, tout ça avant que le morceau explose dans une mini-symphonie jouissive. C'est dans ces moments épiques, ou quand les morceaux se lancent dans des ambiances façon Big Band 30's, comme dans le parfait Unmentionables, que le groupe se place clairement en digne successeur de Van Dyke Parks. C'est dans ces moments là que la conversion du groupe vers la pop orchestrale est la plus géniale et montre qu'ils ont tout compris, de la même façon qu'un Owen Pallett dans son projet Final Fantasy ; ce n'est d'ailleurs pas un hasard si l'on pense à son He Poos Clouds ou ses derniers e.p. en écoutant Entanglements.

Mais toute cette débauche de moyen n'est jamais vaine, et n'est là que pour contraster avec la tristesse qui habite toute l'oeuvre. On l'a dit, cet album était sensé raconter une histoire, et c'est justement là que Entanglements contraste avec l'image qu'on peut se faire de la pop orchestrale : en effet, les 11 morceaux parlent avec une violence invisible de sexualité adolescente, d'une histoire d'amour entre un garçon de 25 ans et une fille de 14 ans, de peines, de joies, de désir, de peur, parfois avec une certaine crudité. Construit en deux parties et décrivant le passage de l'adolescence à l'âge adulte, l'album évolue, et les morceaux prennent ainsi peu à peu un tour plus tragique, quasiment mélodramatique, mais en jouant avec subtilité avec le pathos. De la mélancolie souriante des premiers morceaux, on tombe rapidement dans des compositions sublimes et déprimées, comme dans le sublime Young Eucharists avec ses clavecins qui portent en eux toute la tristesse du monde quand ils appuient sur des accords qui prennent aux tripes. On est presque dans une ambiance funèbre dans Abandoning, et sur l'éblouissant final qu'est This Regrettable End, dont le titre est déjà explicite, on ne peut s'empêcher de penser aux compositions d'un Danny Elfman, à la fois magnifiques et tirant des larmes : en quelques accords déprimés, portés par des choeurs fantomatiques, les violons font frissonner, et l'on rêverait que cela ne finisse jamais. Il y a une simplicité et une universalité dans ces instants qui est précieuse et rare. Mais ce qui transmet totalement à l'auditeur toute la puissance émotionnelle de cet album, c'est la voix de Zac Pennington, véritable clé de voûte de l'ensemble. C'est quand elle s'envole dans des falsettos sur le fil du rasoir en plein milieu de mélodies incroyablement composées que l'album atteint son apogée. Souvent, elle tremble, elle vibre, elle se déplace entre le grave et l'aigu, entre délicatesse et envolées, mais elle appuie toujours quand il faut, soulignant toute la détresse des personnages qu'elle fait vivre. C'est peut être cela qui déplaira à certains, cette voix qu'on pourra trouver ridicule, ou trop maniérée. Mais c'est justement parce qu'elle porte en elle des émotions crues mais simples que l'album en est si touchant et si beau. Et c'est par la conviction de cette voix que l'on y croit, et qu'à aucun moment l'album ne tombe dans le larmoyant.

Voyage pour les tympans et véritable coup au coeur, l'album des Parenthetical Girls est précieux, tant il réussi son pari orchestral avec brio et sans jamais perdre les émotions brutes qu'il cherche à transmettre à l'auditeur. Qu'on y rit ou qu'on y pleure, les 32 minutes d'Entanglements sont absolument brillantes, puissantes et émouvantes. Un album à découvrir absolument. Le pathétique est rarement aussi sublime.

Emilien.

un lien : www.myspace.com/parentheticalgirlsband

Extrait vidéo de l'album :
Le clip de "A Song For Ellie Greenwich" (qui était une chanteuse pop des 60's pour mémoire )

Parenthetical Girls - "A Song For Ellie Greenwich" from judesays on Vimeo.

[Tourne Disque] : Made Out Of Babies - The Ruiner

2008-12-10T03:49:00.012+01:00

Label: The End Records
Sortie: 24 Juin 2008
3,5/5

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Dès les premières mesures de The Ruiner, on se sent brusquement happé par la puissance sonique du quartet Made Out Of Babies. Ces musiciens ont le don, à la manière de Jesus Lizard ou de Dazzling Killmen, d’envoyer des blocs d’électricité lourds et imposants de façon unie, pour ravager l’auditeur tel un rouleau compresseur. Leur metal animal préfère trouver sa force dans une production à la fois ample et rêche, plutôt que dans les riffs véloces et lisses habituels au genre (d’où l’appellation journalistique de post-metal pour les qualifier). Mais c’est surtout la performance de la chanteuse Julie Christmas qui fait monter le groupe à des sommets d’intensité corrosifs. Sa palette vocale, d’une richesse saisissante, excelle aussi bien dans les cris écorchés que dans les complaintes plus mélodieuses. Comme me l’a très bien fait remarquer un des membres du groupe The Snobs, on pourrait facilement rapprocher le chant Julie Christmas à celui d’une Joanna Newsom en furie.

The Ruiner est un vrai parcours du combattant, une lutte acharnée entre les instruments amplifiés et les cordes vocales. Oui, ça gueule beaucoup, ça fait beaucoup de bruit, alors si on écarte les morceaux plus dispensables en ne retenant uniquement les 4 morceaux phares de l’album (Cooker, Grimace, Bunnys Boots, et How To Get Bigger), cela en fait un excellent EP dévastateur de 20 minutes.

François.

Extrait vidéo de l'album:
Made Out Of Babies - Cooker

[Tourne Disque] : Pavement - Brighten the Corners: Nicene Creedence Edition / Stephen Malkmus & The Jicks - Real Emotional Trash

2008-12-07T22:10:00.014+01:00

Pavement - Brighten the Corners: Nicene Creedence Edition
Label : Matador Records
Sortie : 9 Decembre 2008
Sortie originale : 11 Février 1997
L'album original : 5/5
La réédition : 4/5

Stephen Malkmus & The Jicks - Real Emotional Trash
Label : Matador Records
Sortie : 4 Mars 2008
4/5

Le premier morceau que j'ai entendu de Pavement, c'était We Dance. En intro, il y a une guitare acoustique jolie, des petites notes de piano éparses. Soudain, la voix de Stephen Malkmus se lance, légère, et débute un "There is noooo..." émotif et un peu freluquet. Mais, patatras, la seconde d'après, la suite d'accord s'effondre sur un accord de septième pas prévu, et Malkmus finit sa phrase : "...castration fear". Tout Pavement est là. Cet art de tomber à coté de ce qui est attendu pour donner quelque chose d'autre, d'infiniment plus cool. Les incompréhensibles paroles lâchées dans le phrasé mou de Malkmus, les guitares bizarres et noisy, l'ambiance enfumée de jeunes glandeurs, tout cela a fait de Pavement le groupe ultime du rock indépendant des années 90. Inspirant des tas de gens, un peu partout (ceux qui n'entendent pas du Pavement chez Blur à partir de 1997 sont sourds), le groupe a sorti 5 albums bordéliques, pop, brillants qui sont déjà rentrés dans le panthéon de la période, avant d'imploser au tournant du millénaire. Après quoi, il n'aura fallu que 3 ans pour que le processus de réédition-deluxe-boxset-machin se mette en marche, Matador ressortant progressivement toute la discographie du groupe dans des coffrets agrémentés de tas de faces b, d'inédits, de lives, de tout ce que vous voulez.

Quatrième album à bénéficier de ce traitement de luxe (avec une remasterisation qui ne s'entend pas, ahem), Brighten The Corners est sorti en 1997 après le très consistant Wowee Zowee. S'il allait vers des choses moins éparpillés, plus calmes, c'était en enrichissant le répertoire de Pavement de morceaux plus lents et mélancoliques, pour ce qui est peut être le meilleur album du groupe. Oh, évidemment, cette affirmation se discute, Malkmus lui même ne considérant pas l'album comme un "classique de Pavement". Mais Brighten The Corners montre Pavement dans son meilleur équilibre entre groupe un peu potache de rock décalé et musiciens brillants sachant parfaitement construire des morceaux plus complexes qu'on ne croit. La preuve dans un morceau comme Transport Is Arranged, dont la progression de jolie ritournelle triste à gros passage rock se fait avec une aisance incroyable, ou l'immense duo final Stralings of the Slipstream/Fin qui met en lumière des jeux de guitares parfaitement travaillés, illuminant des morceaux mélancoliques. Même dans ses passages les plus lents comme sur Type Slowly, le groupe réussi à produire de longs instants instrumentaux absolument magnifiques. Et pour ceux qui trouveraient que Pavement est un groupe mou, on leur fera écouter le tube ultime et tordu qu'est Stereo, l'hilarant Embassy Row, ou les chœurs pop de Passat Dream, histoire de bien leur montrer leur erreur. Malkmus est au sommet, sortant des phrases aussi parfaites que "You've been chosen as an extra in the movie adaptation of the sequel to your life", et à la basse, Mark Ibold (qu'on a vu récemment jouer en live avec Sonic Youth) n'a jamais été ausssi parfait avec ses lignes groovy que sur un morceau comme Blue Hawaiian.

Mais, et les ajouts de la réédition à coté de ce chef d'oeuvre mésestimé? C'est toujours le même problème. On a des morceaux/jams qui ne peuvent être appréciées que par un fan ultime qui les a, de toute façon, déjà entendues, et le Pavement-phile modéré devra donc faire le tri entre l'anecdotique et les trésors cachés parmi les 32 (!) bonus. On rigolera sur la version country de Type Slowly, ou sur des morceaux foutraques comme Cataracts, Wanna Mess You Around ou Westie Can Drum, mais il faudra surtout se pencher principalement sur les quelques perles cachées en face-b à l'époque : Then (The Hexx) et ses impressionnantes 7 minutes en apesanteur, le très beau Harness Your Hopes, les ensoleillés et pop No Tan Lines et Roll With The Wind ou le formidable Roll with the Wind. Ces quelques morceaux auraient mérités d'être sur l'album, et ce n'est que justice de pouvoir les découvrir aujourd'hui. Quand aux versions démo ou live, aux jams pas super utiles et juste rigolos enregistrés pour les radios, ça s'écoute une fois à tout casser, comme la majorité des trucs que les maisons de disques se sentent obligés de refourguer quand ils font des rééditions. Cela n'enlève rien au fait que c'est peut être le meilleur album pour découvrir Pavement, et en tout cas une des meilleures choses des années 90 qui méritait amplement cette réédition collector très bien faite.

Mais toute cette mythologie, matinée de nostalgie collective, nous ferait oublier que Stephen Malkmus fait toujours de la musique et a même parfaitement digéré l'après-Pavement, comme le prouve son dernier album, sorti cette année avec son groupe The Jicks, un backing band impeccable qu'a rejoint récemment l'excellente Janet Wess (batteuse de groupes merveilleux comme feu Sleater-Kinney ou Quasi). Vous allez me dire que je suis un Philippe Manœuvre en puissance qui parle toujours de "rock" (il faut bien prendre le relais d'un Rock&Folk agonisant qui met Guns n' Roses ou Kings Of Leon dans ses albums du mois, oh la la), mais Real Emotional Trash est justement un excellent album de rock, et je pèse mes mots, un album avec des solos de guitares parfois psychédéliques et super longs, des gros accords et des riffs tueurs, de la batterie qui tape fort et fait des breaks trop cools, et le tout sur un peu moins d'une heure.

Ce sera trop pour certains. Tout le monde ne goûtera pas les 10 minutes de l'épique morceau-titre par exemple, qui débute par une ballade très réussie mais qui, progressivement et via une accélération parfaitement calibré, se transforme en un tube implacable, se concluant par un solo virtuose entouré par des pianos martelés. On peut comprendre. On plaindra ces gens là. Dans cet album, Malkmus n'a rien coupé, il a laissé les solos (certains sur Hopscotch Willie ou Baltimore sont d'ailleurs assez impressionnants de maîtrise!), il a gardé tout les jams, et ce grand ado fan de prog-rock ne se refuse rien, quitte à bourrer son album jusqu'aux amygdales de passages instrumentaux qui n'ont aucun autre objectif que d'être jouissifs à l'écoute. Encore faut-il rentrer dedans. Mais n'allez pas croire que c'est un album de Steve Vai, dieu du ciel non, il y a aussi de la pop ici, comme du temps de Pavement (ah! vivre avec une légende sur le dos, quel fardeau!), marié avec un coté rock à guitare 70's dont on aurait enlevé tout le superflu : Dragonfly Pie qui ouvre l'album est à cet égard parfait, alternant guitares distordues et refrain sautillant ultime. C'est quand l'album joue sur ces deux aspects qu'on a le droit à des petits chef d'œuvres : Cold Son, Elmo Delmo, ou ce Wicked Wanda final, avec chœurs féminins et guitares qui touchent le ciel. Il est parfois même émouvant et doux à grand coup de pianos électriques, comme sur Out Of Reaches avec sa coda tristoune. En définitive, aucun morceau vraiment plus faible que les autres, des morceaux à la fois classiques mais jamais emmurés dans la tradition, avec l'ajout de "beaucoup de détails à discerner", des musiciens qui se comprennent parfaitement. Cela fait de Real Emotional Trash une des meilleures choses de l'année, tout simplement, et voilà pourquoi il fallait que nous vous en parlions, même 9 mois après.

Et puis, franchement, que voulez-vous, c'est Stephen Malkmus, c'est une voix, c'est une façon de chanter, c'est un type, c'est des mélodies parfaites, c'est une façon de lâcher un solo et c'est quand on se retrouve à répéter tout seul devant sa stéréo en secouant la tête des phrases comme "Shake me off the knife because I want to go home" ou "My baby baby baby baby baby gave me malaria, hysteria-ah" qu'on se rend compte qu'il est, et a toujours été, le mec le plus cool.

Emilien.

liens :
http://www.myspace.com/pavement
http://www.myspace.com/stephenmalkmus (on peut entendre son album en entier sur cette page)

Extraits audio-vidéo-stéréo de l'album:
Pavement - Stereo. Anti clip hilarant d'un tube parfait, qui vaut le coup rien que pour le plan absolument hilarant sur une cymbale au début du refrain, alors qu'on s'attendant à voir TOUT sauf ça.

Stephen Malkmus & The Jicks - Hopscotch Willie. Et ses solos fous, tout plein, partout!

[C'était mieux avant !] : John Coltrane - Giant Steps

2008-12-03T23:29:00.024+01:00

Atlantic Records

1960

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Alors que le Mange-disque observait avec consternation la médiocrité de l’actualité musicale de cette fin d'année, la seule occupation qui me restait en ces temps moroses était de me replonger dans mes classiques. Ne pouvant déroger au principe de classification des auditeurs je me dois de reconnaître que je fais ainsi partie de la catégorie des jazzeux. Ils ont des lunettes, sont en général calmes, audiophiles, ce sont les évêques du saxo, les évangélistes de la contrebasse. Mais la caractéristique la plus propre réside certainement dans leur incroyable faculté à donner dans le réac ; pour eux tout vient du jazz, ils en viendraient limite à vous dire que la musique classique aurait pillé les Mingus et autres Coltrane.

C’est d’ailleurs de ce dernier dont il s’agit. Quoi de plus normal de commencer notre périple par l'un des plus vibrant artistes jazz. Si son premier album notable reste Blue Train le vrai « saut » aura lieu avec Giant Steps. Coltrane, voulant s’affranchir des codes jusque là usés, participait déjà sur le Kind of Blue de Miles Davis à l'émergence du « jazz modal ». Les grilles d’accord changent, le cool jazz à la papa a un pied dans la tombe, Giant Steps fait remarquablement glisser l’autre. L’année est pleine, ça tombe bien car la décennie qui suivra marquera une période essentielle dans l’évolution d’un genre qui n'a cessé d'influencer les artistes les plus chevronnés.

Intérêt multiple. Giant Steps est d’ailleurs selon moi le premier album à conseiller à quelqu’un qui voudrait dire au revoir au jazz (parfois) un peu somnolent des Chet Baker et consorts. Le jazz modal est cet animal insaisissable qui rebuterait les moins téméraires d’entre nous et ferait douter les plus courageux ; le premier titre de Giant Steps est à mon sens ce qui illustre le mieux cette évolution.

En effet la première piste frappe par deux choses ; premièrement par son incroyable rapidité, deuxièmement par ce sentiment d’euphorie qui conforterait notre certitude sur l’impossibilité que ce morceau ait pu être écrit. On imaginerait Coltrane lancer un « balance la sauce » à Art Taylor (batterie), aussitôt suivit par un Paul Chambers (contrebasse) des plus débonnaire, égrainant les notes comme une dictée apprise par cœur ; notre bon Tommy Flanagan (piano) n’aurait eu qu’a suivre les grilles patiemment intégrées au fil du temps. Sauf que tonton John vient réveiller les morts, ressuscitant un sentiment presque organique, quasi physique.

Giant Steps rend perplexe par son évidente facilité, les notes nous narguent, tourbillonnent autour de nous, on essaye d'en attraper une, deux, l'écoute devient un jeu et le plaisir immédiat. C'est avec une jouissance inouïe que l'on découvre chaque pépite de ce que cet album a apporté ; une nouvelle façon de jouer, d’écouter, d’apprécier. L'urgence alliée à la sophistication de l'œuvre en devient troublant, le saxo ténor arrivant par sa seule présence à habiter la pièce entière (Countdown), les titres se faisant explicites (Spiral) et Coltrane, rendant un dernier hommage aux pères du « bop » en passant du « be » au « hard » (Mr. P.C.), nous ouvre les portes d’une décennie en pleine mutation dont il ne verra malheureusement pas la fin ni la portée.

Christopher.

Extrait audio de l'album:
John Coltrane - Giant Steps

[Tourne Disque] : Marnie Stern - This Is It and I Am It and You Are It and So Is That and He Is It and She Is It and It Is It and That Is That

2008-11-23T16:26:00.010+01:00

Label : Kill Rock Stars
Sortie : 7 Octobre 2008
4/5

L'acheter

Cette fin d’année musicale est un peu consternante, par manque de grosses sorties attendues et de découvertes surprenantes. Les rares exceptions sont le Deerhoof, le TV On The Radio (que le Mange Disque trouve intéressant, mais n’arriverait surement pas à le juger à sa juste valeur, par manque d’enthousiasme, et pour ma part je ne pourrais lui mettre qu’un ?/5), et le deuxième album de Marnie Stern. This Is It and I Am It and You Are It and So Is That and He Is It and She Is It and It Is It and That Is That est l'antidote idéal pour se réveiller en cette période ronflante, peut être même le seul disque vraiment rock’n’roll à retenir cette année.

Ce titre interminable évoque d’ailleurs bien les longs riffs tarabiscotés avec 36 notes à la seconde, remplis de doubles croches, de triples croches (ne me demandez pas ce que ça veut dire, je ne sais pas), joués par cette guitar hero inclassable au physique de Barbie. La fameuse technique du tapping, (que vous pouvez observer ici), elle ne l’a pas acquise afin de ressembler aux références du genre (les Van Halen et autres horreurs venant du Heavy Metal, qu’elle ne connait de toute manière sûrement pas), ou pour impressionner, mais bien par nécessité. Car d’après ses dires, « avec de l’entrainement, il est bien plus facile de jouer rapidement une multitude de notes avec ses deux mains sur le manche plutôt qu’avec une seule ». Il n’y a qu’elle pour transformer cette technique habituellement moche et démonstrative (pour ne pas dire de mauvais goût) en quelque chose de totalement inventif et original. Simplement : sa tête déborde d’idées, qu’elle ne peut évacuer qu’avec sa guitare et ses dix doigts. Le surplus de technicité devient un pur outil, et non une fin en soi. Elle est donc une autodidacte qui joue du rock progressif sans le côté pompeux du genre et dans des morceaux de 3 minutes, avec une énergie punk et un chant pop haut perché complêtement décomplexé. Comme si cela ne suffisait pas, elle s’accompagne à la rythmique du batteur le plus insensé et hyper actif du moment, Zach Hill (de Hella), qui sait presque se faire oublier tout en restant efficace (un exploit), pour se dévouer entièrement à la musique de sa protégée (il l’a découverte et il produit ses disques).

L’entrée en matière de l’album est effarante de minimalisme spectaculaire (la guitare et la voix jouent sur une seule et même note répétée pendant toute la moitié du morceau sur un rythme effréné), et tout ce qui suit est un enchainement de morceaux rentre-dedans, compliqués mais funs avant tout. On a l’impression que les notions de « limites », « baisses de tension » et « raisonnables » n’existent pas dans le vocabulaire de Marnie Stern. C’est ce rock là, insouciant, généreux et un peu dingo, qu’on a envie d’écouter cette année.

François.

http://www.myspace.com/marniestern1
Extrait vidéo de l'album:
Le drôle de clip du single Transformer, où Marnie Stern joue avec les références qu’on pourrait essayer de lui coller (esthétique Glam Rock, image cheap, guitare à double manche, fumée blanche…).

[Tourne Disque] : Diebold - Listen To My Heartbeast

2008-11-16T17:48:00.005+01:00

Label : Bangor Records
Sortie : 29 Janvier 2008
3,5/5

L'acheter (oui, achetez, c'est un petit label!)
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Qu'on veuille bien m'excuser de parler ici d'un album qui est sorti il y a presque un an, mais les années sont bien trop courtes pour qu'on réalise tout ce qu'il s'y passe. Pour sûr, on écoute certains groupes, on les manque pas, on est obligé de subir des choses fades dont tout le monde parle pour se rendre compte finalement qu'il faut faire attention aux mouvements de foule. Mais, dans le même temps, on rate pleins de trucs, et c'est soudain, quand on en arrive à faire le classement des meilleurs albums de l'année qui agonise, qu'on se demande si on a pas traversé l'année musicale comme un touriste au sein d'un voyage organisé. Alors la quête des albums qu'on aurait manqués commence, on erre entre les sorties, et parfois, par chance, on tombe sur un oublié de l'histoire, et si l'on comprend bien que personne n'en ai parlé, on se dit tout même qu'on aurait pu faire attention.

Le premier album de Diebold fait parti de ceux là, et c'est in-extrémis et par hasard qu'il m'est tombé dans l'oreille, par la magie de notre Internet tentaculaire, en ayant seulement connaissance de l'alléchant line-up de ce duo montréalais : d'un coté, Ian Ilavsky, qui joue de la batterie et de la basse, de l'autre Sophie Trudeau, chargée de la basse et de la batterie (les ordres sont importants). Pour ceux qui n'ont donc pas ouvert grands les yeux à la vue de ces noms, ces deux personnes ne sont pas n'importe qui : non seulement elles sont membres du groupe A Silver Mt. Zion, mais de plus Ian fit partie de Sofa, groupe sombre et rock bien trop méconnu signé sur l'influent label Constellation dont il est de surcroît le co-fondateur, et Sophie a été membre du légendaire collectif Godspeed you! Black Emperor, entre autres projets passionnants. Duo basse-batterie quasiment instrumental, Diebold a été fondé en 2002 avec pour principe (en gros et d'après eux) "de régler en musique les conflits d'ordre politique qui pouvaient opposer les deux membres du groupes quand ils vivaient ensemble en les maximisant par le son" (pour la question du sérieux de cette affirmation, c'est vous qui voyez). Et s'il a été enregistré de façon "live" sans public, sans aucun mixage ni overdubs (à part des voix dans le premier morceau) en 2005 et 2006, il aura fallu attendre le mois de Janvier dernier pour que cet album sorte sur le minuscule label crée par Sophie, Bangor Records (label sur lequel était déjà sorti un génial album du trio The Mile End Ladies String Auxiliary en 2005, dont je vous parlerais bien si seulement c'était mon sujet).

Il ne faut pas s'attendre ici à un énième album de post-rock ou des bruits épars émaillés de laborieux passages de musique concrète tout au long d'un album triste comme un sapin de Noël en février. Non, soyez prêt, Listen To My Heartbeast porte bien son nom, et est un album de rock, de gros rock, quasiment de stoner rock, avec des relents de noise rock, un album menaçant et brutal, pas si éloigné dans son esprit du duo Lullabye Arkestra (qui est lui même signé chez Constellation, tout se recoupe). Les six titres de cet album de 35 minutes (durée parfaite) sont pour la plupart assez simples : d'un coté, une basse sale mais pas fatigante non plus, souvent jouée par Sophie, qui lance des gros riffs passés parfois ensuite en boucle dans des pédales de delay pour construire des architectures primitives. De l'autre, une batterie qui tape et ne fait que ça, n'hésitant pas à faire des breaks hard rock façon groupe qui joue dans un garage.

Quand l'album commence, on est agressé par USaid et son ambiance gros metal lourd et ses cris sans fins. Tout est sale et bruyant et l'auditeur lambda se demande ce que l'il est venu faire là. Pourtant, si on se prend au jeu, il y a quelque chose d'absolument jouissif dans la manière dont ces morceaux agressifs sont joués, et derrière cette grosse déflagration sonique, il y a des sortes de jams géniaux qui sont au delà du cool. Ecoutez par exemple des morceaux comme Sure ou Baboum Kaka Chic, et tout de suite l'ambiance change, on est quelque part entre les gros grooves hardcore et des métriques irrégulières, on est happé par cette répétition hypnotisante de riffs. Comme dans une espèce de version déglinguée et rock'n'roll de Neu!, on sait que ce qu'on entend n'a rien de terriblement original, on sait qu'on écoute depuis 3 minutes le même riff, mais on s'en fout, la fureur est là. Encore mieux, parfois on décolle carrément comme avec le formidable morceau Opéra, qui évolue d'une composition garage sur laquelle on secoue la tête pour aboutir en grande apogée majeure, final façon mini-Lightning Bolt dont on a expurgé les doubles-croches. Et même durant le morceau-titre final qui joue beaucoup plus sur les larsens dans un ensemble expérimental à faire peur, il y a soudain cette batterie qui se met en branle et tourne en boucle, rappelant le premier album des Liars ou bien même une version lo-fi de PiL.

Sorte de pas de coté étrange de deux musiciens dont on aurait jamais cru qu'ils seraient un jour si primitifs et bruts, l'album de Diebold, s'il n'est en rien un classique instantané ou un chef d'œuvre en péril, est une découverte tout à fait réjouissante, qui concilie en un même tout cohérent une violence sonique assez physique et une ingéniosité plus cérébrale : c'est exactement ce que l'on peut espérer d'un album dont le volume reste dans le rouge constamment. C'est bien simple, si vous ne prenez aucun plaisir à écouter ces raids de sons crachés par des amplis bousillés, rendez vous à l'évidence : vous n'êtes pas rock. Pis! Vous êtes trop vieux.

Émilien.
Un lien : www.myspace.com/bangorrecords

Extrait audio :
Diebold - Sure